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REM KOOLHAAS. MATERIALES.

En el estudio de Rem Koolhas, OMA, trabajan mediante el uso de diagramas en todas las fases del proyecto, tanto en 2D (ejemplo: una sección del edificio que se está proyectando, simplemente de la envolvente de dicha construcción denominando y dando identidad a cada parte el edificio dándoles, a su vez, mayor o menor importancia jugando con el color o tamaño de la letra) como en 3D (maquetas).

Diagrama

Biblioteca de Seattle. Programa

En el estudio la modelación no es solo una representación a escala del proyecto que se está llevando a cabo sino que da mucha más información. Para ello, no basta con una sola maqueta, se modelan muchas más ofreciendo, así, mucha más información que con un golpe de vista puedes apreciar. Se hacen, también, por bloques o secciones (desde el punto de vista estructural, estético,  para elegir una geometría específica del edificio, para señalar a qué está destinada cada parte del edificio…). En definitiva, usan la maqueta como herramienta de diseño.

CCTV. En la primera maqueta podemos observar una 
aproximación la estructura de pilares y vigas
 en diagonal que se desea; en la segunda, un
 diagrama impreso sobre el análisis de los
 esfuerzos que sufre cada viga y en
 la tercera, la estructura definitiva.

Aquí, observamos cómo se utiliza un material
 traslúcido similar a la silicona para dar
 información de la forma del edificio a la vez
 que de los muros, tabiquería y
 pilares que confotman la estructura.

Sede Central de la OTAN. Se trata de una construcción conformada por varios volúmenes geométricos que confluyen en un prisma central. En la primera maqueta se le da prioridad a la planta sótano del cubo y, por eso, sólo vemos la envolvente de los demás volúmenes. Sin embargo, en la imagen de la derecha se observa la escala del edificio en comparación con los usuarios al utilizar el material traslúcido anterior.

Hiperedificio. Comparando las dos maquetas se
 observan diferentes ubicaciones de algunos de
 los primas del complejo constructivo a la vez que
 cambia la organización de los espacios públicos
 extrapolando el diagrama 2D a la maqueta.

Edificio 'De Rotterdam' Ciudad vertical.
 Maquetas y programa del edificio.

TVCC. Maquetas con diferente información:
 luz-sombra, estructura, estética...


La base de muchos de sus proyectos es la adición de volúmenes geométricos o la sustracción de estos. Por eso, la herramienta más efectiva es el diseño mediante maquetas. Estas se hacen de distintos materiales en función de la información que se quiera dar.

 Casa Flick. Adición de volúmenes.

 Casa da Musica. confección de un volumen
 a partir de sustraer partes de el mismo.

MATERIALIDAD DE LUCY

Los materiales que utiliza Lucy son muy variados, desde siliconas pasando por materiales orgánicos y vivos, como podemos observar en la segunda imagen.

Su laboratorio es su propio cuerpo y en ocasiones, el de un amigo.

Su finalidad la relación de estos materiales y procesos con el cuerpo humano.



Resumen trabajos



En el siguiente video, podemos observar el proceso realizado y la materialidad del experimento: un producto gelatinoso y comestible.

Lucy continúa provocando el borde biológico del cuerpo, tomando la manipulación genética y la clonación humana. Ella expone un mundo donde los clones son comestibles.



Vemos a una mujer solitaria fastidioso y destilar partes del cuerpo humano, utilizando su propio cuerpo como un banco de pruebas
Su laboratorio hace referencia a las cocinas húmedas y el sótano alberga sus inventos. Vemos un curioso proceso.

Referente. Trabajo con los materiales.

Enric Miralles dispone de una gran cantidad de edificios así como gran cantidad de materiales empleados en ellos. Entre ellos encontramos: madera, acero cortén, hormigón expuesto en distintos acabados, losetas, quiebrasoles, piedra, cristal, etc, así como las texturas que crean la unión de los mismos. Otro de los elementos importantes que llama la atención es el uso de la luz y su forma de hacerla llegar al interior del proyecto. 

También hay un uso del material dinámico, ya que se utiliza la madera de forma tectónica y en otros casos ornamental. Miralles tenía varias formas de percibir las ideas, desde dibujo formas, maqueta, collages, fotomontajes, etc. Los materiales varían según el lugar de construcción y disponibilidad del mismo, sin embargo, Miralles pretende exponer el material, es decir, no lo pone para recubrirlo, no pretende esconder su belleza o finalidad. 

Las potencialidades creativas de las variaciones a través de los dibujos de Miralles surgen a documentos que va recogiendo previamente, de visitar el lugar y de su observación directa y personal. Para ello utilizaba anotaciones personales, visiones laterales, explorando lo que queda fuera, estableciendo un diálogo (con su gente, sus costumbres, la forma de habitar, los planos, la historia, etc). De este modo, tras recopilar toda la información topográfica del lugar, así como su entorno y contexto, comenzaba a establecer los materiales más adecuados para el diseño de sus obras a través del papel y en fotomontajes.






Para Enric Miralles, los dibujos y fotomontajes era lo más importante a la hora de comenzar a trabajar en un proyecto. En sus trabajos y notas personales habla del aprendizaje a través del dibujo. Este arquitecto utilizaba el dibujo como proceso del proyecto, el camino para descubrir, asombrarte, imaginar. Según Miralles, dibujas intenciones, intuiciones y alguna vez ideas, que van dando forma a los proyectos. 

"Dibujar no es solo dibujar, es cortar, buscar, pegar, mezclar, amontonar, mirar.. Así la ilusión de empezar un proyecto renace cada vez" 

La identidad entre dibujo y construcción, se entiende, pues, desde el papel predominante del dibujo por encima de la construcción. Miralles explicaba que las construcciones debían adaptarse a las reglas del dibujo y nunca al revés. Al mirar las cosas tomando apuntes, el dibujo parecía como un apunte más, sin embargo al redibujarlo, al reconstruir las cosas, el dibujo es equivalente a descubrir, aún cuando éste sea absolutamente personal, innecesario. 

Enric Miralles trataba de redibujar, estableciendo conocimiento, las formas de otros hasta obtener las suyas propias, puesto que según él muy pocas veces un arquitecto puede inventar formas, ya que es mucho más provechoso modificarlas o reconstruirlas. Gracias a sus fotomontajes se hacía visible el momento que interesaba redibujar, que evidencia la duda, ese desencuentro donde las piezas no encajan. . 

De esta forma, mediante sus dibujos y fotomontajes, podía trasladar su proyectos en fragmentos o en pleno desarrollo y crear una arquitectura más personalizada, puesto que de esta forma podrían surgir nuevos problemas y la necesidad de crear otras conexiones. De este modo, tras recopilar toda la información topográfica del lugar, así como su entorno y contexto, comenzaba a "probar" visualizaciones y los materiales más adecuados para el diseño de sus obras a través del papel y posteriormente en fotomontajes.















Álvaro Siza y sus materiales

ÁLVARO-SIZA-.-BAIRRO-DA-MALAGUEIRA-.-1977-imagen-aa

Esta semana, me dispongo a trabajar acerca de los procesos de trabajo y materiales en el estudio de Siza, mi referente durante este curso.

siza

Cada arquitecto, como bien sabemos tiene un estilo de trabajo. En el caso de Siza el trabajo se realiza en una sala diáfana con grandes ventanales de madera y unas vistas fantásticas sobre el río y la ciudad de Oporto. La sala de su estudio no es demasiado grande, su trabajo es a partir de maquetas y apuntes como ya he comentado anteriormente, trabajan haciendo maquetas, quizá la parte mas importante del estudio. Para cada obra, se producen maquetas a todas las escalas. Junto con los croquis es con lo que Siza más proyecta. Estos, están colgados en las paredes junto a dichas maquetas de trabajo. Es un arquitecto muy plástico: trabaja y piensa con las manos. Sus croquis están a escala y cada uno de ellos es fechado, fotocopiado, digitalizado y archivado junto con sus antiguos planos hechos a mano, sus monografías y diferentes objetos de valor.

Si hablamos de sus instrumentos de trabajo, en Siza podemos destacar la importancia por el cubismo en sus obras, ya que, permite manejar fragmentos diversos y a la vez mantener una sensación de orden global. Además, podemos observar su objetivo: delinear una geometría en la imagen orgánica, dando paso así a la necesidad de ésta (“hacer arquitectura es geometrizar”), ya que lo que se construye está dentro de la lógica del paisaje, pero su relación con el mismo no es puramente mimética.

En sus obras, respecto a los materiales podemos observar que utiliza con frecuencia algunos en concreto. En sus primeras obras empleaba el hormigón visto, y, durante unos años lo abandonó porque el acabado que buscaba no lo llegaba a conseguir (la expresión brutal y dedícadisima de Le Corbusier)

Alvaro Siza Vieira . Atelier Museu Júlio Pomar . Lisboa

El asunto del color le preocupa mucho más de lo que parece. No cree que la elección del color sea una decisión que proceda de un catálogo ya que implica cuestiones mucho más complejas y abiertas. Hablar del color es hablar de la luz, del clima, del contexto y de la atmósfera del lugar y también de las personas. El color puede encontrarse en todas estas cosas físicas y en otras menos tangibles que están en el ambiente. No es partícipe de la arquitectura exótica ni extravagante, como tampoco le gusta emplear el color exóticamente, de forma extraña y chocante, de manera autónoma. Si va a construir en una ciudad mediterránea como respuesta al clima utiliza el color blanco.

patiogrande2.Museo-Serralves.Álvaro-Siza.-Libresenred.Stepienybarno


Lucy como NOVEDAD

La forma de trabajo tan extravagante de Lucy Mcrae, utiliza el cuerpo humano para recrear la innovación.

En uno de sus últimas ocupaciones, sometiéndose ella misma a una terapia de oxígeno hiperbárico durante seis horas, es el uso médico de oxígeno a un nivel superior a la presión atmosférica.


Foto instagram

Lacaton & Vassal

Lacaton & Vassal es un estudio de arquitectura fundado en 1987 en París por los dos arquitectos franceses Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal.

L&V componen  un importante estudio de arquitectura, ya que, estos dos arquitectos han hecho en su arquitectura “intervenciones inteligentes”. Este concepto se ve reflejado por ejemplo, en su propuesta para la intervención de la Plaza Léon Aucoc de Burdeos ya que deciden no intervenir (no utilizar dinero público) en ese espacio urbano que ellos consideraban bello y que podría ser reformado sin tener que hacer grandes actuaciones, simplemente pequeñas reformas y  mantenimiento. Esto fue innovador porque es una muestra de sensibilidad que va más allá de lo que entendían en el mundo los arquitectos y los diseñadores. Es importante, no sólo considerar la belleza de pequeños lugares sino el gran beneficio a la población con el uso de muy poco dinero para su reforma, lo que produce una recuperación económica.

Por lo tanto, una de las cosas que me parece fascinante del trabajo de estos dos arquitectos franceses es su forma estratégica de plantear las propuestas fundamentandolas en una actitud ética y de carácter social.

Por otro lado, L&V destacan por los materiales empleados en sus obras. El criterio en la elección es principalmente económico, no obstante existe una intencionalidad con el uso de los distintos materiales.

Los materiales empleados en las obras de L&V son de carácter industrial con montaje en seco. Esto permite que sea una arquitectura más limpia y auténtica. Las obras de los dos arquitectos, no tienen esa rigurosa precisión, ya que la precisión es cara y no es la intención de ésta arquitectura.

Para finalizar, otra de las cosas que me ha llamado la atención del trabajo de Lacaton y Vassal, es el espacio de las obras. En la arquitectura de L&V, se defiende la idea de un espacio desprogramado capaz de soportar diferentes funciones y acontecimientos.

 


Referente- Glenn Murcutt

La obra de Glenn Murcutt suele describirse como una síntesis entre la arquitectura de Mies Van der Rohe y la arquitectura nativa australiana. Sin embargo, hoy vamos a hablar de como trabaja Glenn Murcutt con los materiales.

En primer lugar, su elección de los materiales se sitúa desde el metal a la madera y el vidrio, la piedra, los ladrillos y el hormigón, los cuales siempre relaciona con la conciencia del ahorro energético.

En sus construcciones utiliza materiales económicos que consuman poca energía en su fabricación y montaje, como la madera, y que reduzcan el gasto energético en el edificio. Además construye de manera que los materiales se puedan reciclar y reusar. Esta reutilización de los materiales sera muy importante en la obra de Murcutt.

Otro factor muy importante en la arquitectura de Murcutt es el aprovechamiento del agua. En Australia, el agua es muy escasa y pueden pasar semanas sin llover, por lo que Murcutt utiliza mecanismos constructivos que permitan recoger el agua de lluvia y reutilizarla, colocando en los extremos de las cubiertas tanques para almacenarla.

Usa materiales accesibles por catálogo, chapa ondulada y ventanas con cortinas industriales de lamas regulables (louvres) que permiten graduar el nivel de luz, intimidad y ventilación.

Murcutt nos dice que uno mismo a de preguntarse antes de la utilización de un material: ¿Cuánta energía es necesaria para producir determinado material? ¿Cúal es la capacidad de dicho material para reducir el uso de energía del edificio? Respondiendo a estas preguntas Murcutt nos señala la madera como uno de los pocos materiales sustentables.

El acero y el aluminio requieren de mucha más energía para su producción. Tienen que ser usados en menor cantidad. Una de las ideas más sustentables tiene que ver con construir de una manera que te permita reciclar y reusar los materiales. Así que uno no usa clavos; uno usa tornillos y tuercas.

En definitiva podemos decir que Murcutt trabaja con materiales económicos y accesibles; y que para su manera de trabajar el reciclaje y reuso de los materiales es un factor muy importante.

Bibliografía:

 http://catalogo.artium.org/book/export/html/7739#sthash.5arRyFnS.dpuf

http://www.eco2site.com/Informe-753-Glenn-Murcutt-Arquitecto-Ambientalista-Australiano

https://sancheztaffurarquitecto.wordpress.com/2011/07/08/entrevista-glenn-murcutt-premio-pritzker-2002-architectural-record/


MacAdam; mi referente.

Me sentí incitada en conocer más sobre las obras de MacAdam al ver que en ellas utilizaba punto, ganchillo y nudos, ya que hallé gran conexión entre sus obras y las de mi anfitriona, Bienvenida. 

Ambas parten de un mismo material que después progresa de forma totalmente diferente, trabajando Horiuchi MacAdam a gran escala con la creación de espacios de ocio y diversión.

MacAdam, mujer de 75 ha cambiado positivamente espacios urbanísticos con la creación de zonas de juegos textiles destinados a los niños. Establece lugares exclusivos para niños, llenos de color y texturas, para que las fantasías de los niños puedan volar. Ella explica que se especializa en la creación de entornos grandes, interactivos textiles que funcionan  para exploraciones imaginativas y vibrantes de color y forma, al mismo tiempo como un emocionante entorno donde jugar. 

Desde 1990, MacAdam estableció un negocio con su marido con la finalidad de crear estructuras que les hicieran reír a los niños y hacerles formar parte del arte. En este estudio, situado en Bridgeport, ella realiza sus proyectos principalmente realizados a mano, con la adición de algunos elementos anudados mecánicamente en algunas piezas. Dada la magnitud de los proyectos que realiza, Horiuchi MacAdam no trabaja sola, trabaja con un equipo para producir las estructuras, donde construye grandes secciones en su estudio y luego las une, probándolas in situ durante la instalación. 

El trabajo de Horiuchi MacAdam se define como algo que existe expecíficamente para ser explorado y usado, no sólo para mirarlo.

El diseño incluye todo tipo de redes de vibrante de colores, columpios, cojines y bolsas para los niños. Ella encuentra su gran placer y recompensa en ver la transformación de su obra y como cobra vida con los niños jugando, estirando y escalando los materiales

A continuación os muestro un vídeo dónde ella explica qué hace en su taller y otro vídeo del primer parque infantil en Europa, situado en Puerta Venecia (Zaragoza).


Vídeo 1- Estudio Horiuchi MacAdam.

Definiendo_Referente

Toyo Itotoyo ito

Comienzo hablando de este gran exponente de la Arquitectura, diciendo que es un arquitecto realmente innovador que reconoce no tener una forma predeterminada de realizar su trabajo, y precisamente por este motivo cada uno de sus proyectos se convierten en algo único.

Es difícil encasillar su trabajo dado que ha ido pasando por distintas disciplinas, aunque se puede decir que sus proyectos se caracterizan por una influencia de la naturaleza,y de querer romper con los convencionalismos creando estructuras realmente complejas. Tanto es así que la mayoría de sus diseños tiene que ser simulados por ordenador para comprobar que realmente es viable su construcción.

Lo que realmente me interesa conocer de él, es su manera de trabajar, los materiales que usan en su estudio, las técnicas…

Dicen en su estudio de Barcelona “TOYO ITO ARQUITECTOS ASOCIADOS EN ESPAÑA” que la “tecnología es una herramienta más. Ahora se pueden hacer cosas que antes no se podían construir, gracias a la tecnología. Diría que es una ayuda, más que un corsé“

Por este motivo, para ellos los programas de modelación virtual 3D son una herramienta más en su estudio. Evidentemente depende del tipo de proyecto, se elabora con una intención u otra. Los modelos 3D dicen ayudar a racionalizar y hacer construibles formas orgánicas, e intentan que se pueda industrializar la construcción. También los usan para crear renders y presentaciones.

Con los programas de CAD lo que buscan es la facilidad de uso para todos los integrantes del equipo. Cada cierto tiempo surge un programa que hace muy bien específicamente algo, pero es importante el tiempo necesario de adaptación al nuevo programa. Existe una resistencia al cambio, sobre todo si no puedes hacer todo lo que hacías con el programa anterior.

Normalmente sólo trabajan de manera compartida en dibujos 2D, intentan que no sea el mismo dibujo sino que haya referencias externas.


Frank Gehry

Como ya mencioné en las entregas anteriores el referente a partir del cual voy a hablar durante todo el cuatrimestre es el arquitecto Frank Gehry.

Foto GERHY

Frank Gehry nació en Toronto, Canadá, el 28 de febrero de 1929. Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg pero que más tarde se cambió a Frank Gehry tras nacionalizarse estadounidense. Su familia era de origen polaco-judío, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Gehry era una persona creativa ya desde pequeño creando construcciones de edificios y ciudades imaginarias a partir de los materiales que pillaba de la ferretería de su abuelo.

En 1947 se trasladó con sus padres a Los Ángeles y en 1954 se graduó en Arquitectura en la Universidad del Sur de California y comenzó a trabajar en el Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Más tarde se ausentó un año para terminar el servicio militar. En 1956 se trasladó a Massachusetts con su esposa para inscribirse en la Universidad de Harvard.

Tras terminar en Harvard volvió a California en donde desarrolló un proyecto llamado “Easy Edges” basado en la creación de muebles de cartón. Tras la remodelación de su bungalow caracterizado por su estilo vanguardista permitió que su estilo arquitectónico empezara a emerger a finales de los años 70.

Cabe mencionar que la arquitectura de Frank Gehry ha sufrido una evolución a lo largo de su carrera, destacando en sus primeros trabajos el concreto retorcido que más tarde ha llevado a la utilización de metales y aplacados. Su arquitectura es impactante debido a que suele utilizar materiales inacabados. Además cabe destacar la utilización de diferentes geometrías simples que utiliza en los edificios. Sin embargos estas estructuras provocan que haya recibido numerosas críticas, en donde se critica principalmente que sus diseños no son reflexivos con las preocupaciones contextuales y que no aprovecha el espacio urbano.

Más recientemente, Gehry ha estado combinando las formas curvas con las formaciones deconstructivas con lo que rompe con el ideal modernista. Es conocido como uno de los arquitectos que entiende la arquitectura como arte, es decir, pretende hacer una escultura. Ha ido trabajando basándose en esa idea del arte pero sin dejar de pensar en la funcionalidad y la integración del edificio en el entorno.

Como mérito a su carrera recibió en 1989 el prestigioso premio Pritzer.

Algunos ejemplo de sus proyectos y sus formas de trabajo:

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Utilización de programas:

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Maquetas:

frank_gehry_at_work_01  geh02

Bibliografía:

– http://www.arquba.com/arquitectos/frank-gehry-biografia-y-obras/

– http://www.arqhys.com/articulos/frank-gehry.html

– http://www.biography.com/people/frank-gehry-9308278#architectural-career