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Materialidad Eames
De los muchos procesos de trabajo que Charles y Ray Eames realizaron con los más diversos materiales, he decidido centrarme en la madera, especialmente en los trabajos de moldeado de madera maciza y laminada, que les llevó a revolucionar el sector del mobiliario, y cuyas influencias aún siguen vigentes.
Buscaban nuevas formas de moldear la madera, o el perfeccionamiento o simplificación de técnicas ya existentes, que les permitieran crear mobiliario ergonómico de una forma sencilla y económica.
Fundamentalmente emplearon dos técnicas fundamentales, que aquí voy a detallar de forma genérica:
A) Moldeado de madera laminada:
Esta técnica no requiere ningún tratamiento especial del material, ya que se basa en la elasticidad de las fibras de madera para obtener la forma deseada.
Inicialmente se escoge madera preferiblemente de una especie de clima templado: roble, haya,... Se adquiere laminada, o bien se lamina mediante sierra eléctrica de calar con un grosor de 2 a 7 milímetros (menor cuanto más alabeada queramos que quede nuestra superficie).
Se cortan las láminas en un formato algo mayor que el de la pieza que queremos obtener. Se superponen las láminas necesarias para obtener el grosor deseado y, bien en frío o mediante la aplicación de calor externo (para piezas más alabeadas) se premoldean.
Se aplica pegamento uniformemente a una de las caras de cada una de las láminas a montar.
Se superponen las piezas y, utilizando un molde de cualquier material, y mediante presión, se le da forma al conjunto, dejando actuar el pegamento durante seis horas.
Se retira la pieza de la prensa, y se procede al lijado de los cantos y a la rectificación de los contornos. La piza queda preparada para recibir el acabado.
B) Moldeado de madera maciza.
Permite obtener piezas alabeadas sin necesidad de laminar la madera, aunque el riesgo de que la pieza parta o se agriete es mayor.
Fundamentalmente consiste en aplicar vapor de agua a la pieza de madera. Para ello hace falta un sistema que permita hervir agua a alta temperatura y canalizar el vapor generado a un tubo de dimensiones adecuadas, donde se introducirá la pieza a moldear durante unos veinte minutos. Esto permito que las fibras de madera, debido a su alta capacidad higroscópica, se humedezcan y calienten, volviéndose altamente flexibles.
Transcurrido este tiempo, se saca la pieza e inmediatamente se le da forma mediante presión de la misma forma que explicaba en el método A. Se espera unas dos horas a que las fibras de madera se sequen y enfríen, y entonces se libera la pieza.
En ambos casos, adjunto un enlace con un video explicativo de cada uno de los dos procesos.
Los Eames utilizaron otras técnicas de moldeado de la madera, quizá menos significativas que éstas, que serán en las que me centraré.
Oportunidades materiales en el entorno de Jimmy
Hierro: Radios de las ruedas de la bici
Aluminio: Cuadro de la bici
Goma: Puños del manillar de la bici
Caucho: Rueda de la bici
Cemento: Pavimento de la calle
Madera: Tronco de las Palmeras
Vidrios: Ventanas
Tierra: Macetas
Grava: Jardines calle
Mármol: Suelo
Barro cocido: Pavimento
Pintura plástica: Gotelé
Madera: Muebles
Tela de raso: Cortinas
Algodón: Sofá
Madera: Paredes
Papel: Deberes de la hija
Cristal de murano: Lámpara
SIGUIENDO LOS MATERIALES
En busca de oportunidades materiales que me acercaran al mundo de Nick y me permitieran reconstruir su sueño mediterráneo, he acudido a la playa que él suele frecuentar.
En ella he podido descubrir materiales muy diversos que me ofrecen una amplia gama de acción. Entre ellos se encuentran:
Plantas y Flores. Las vegetación que crece en la playa es tolerante a la sal, al viento, y resistente al suelo arenoso que presenta un número reducido de nutrientes.
Residuos de cartón plastificado que normalmente son arrojados por alguna persona.
Madera tratada con la cual se han elaborado postes macizos de forma cilíndrica.
Arena. Conjunto de partículas cuyo tamaño varía entre 0,063 y 2 milímetros, que además presentan rocas de mayor tamaño que se desplazan continuamente debido a la acción del viento, lo cual provoca erosión y desgaste en ellas.
Acero inoxidable, empleado en los surtidores de agua que se localizan en la entrada de la playa.
Hojas de palmeras, también llamadas frondes o palmas, nacen de la parte superior del tronco y forman una corona. Las hojas jóvenes nacen verticalmente, en forma aguijada, reduciendo de este modo la radiación solar y protegiéndolas de los agentes externos.
Plástico, de nuevo de residuos que se abandonan en la playa. Las botellas están fabricadas de polietileno, y puede apreciarse un desgaste del mismo en la pérdida de transparencia de las paredes.
Corteza de palmera. En ella puede observarse la rotura y caída de los salientes presentan en su forma original.
Restos del interior de una concha marina. Presentan una estructura blanda y gran facilidad a quebrarse.
Huesos de algún animal pequeño que se han pulido y erosionado debido al lugar arenoso en el cual se hallan.
Bolas de fibras que indican la presencia de una pradera de posidonia en esa playa.
Diversos tipos de cristales, desde a restos de cristales con protección solar, a totalmente transparentes, pasando por algunos de colores ocres.
Gran variedad de conchas marinas, en tamaño, forma y color. Formadas de carbonato de calcio y proteínas; aparecen a lo largo de toda la playa entre los gránulos de arena, y en mayores dimensiones en la orilla (debido a que son más recientes y presentan menor desgaste que las que ya se han ido situando más lejos),
Escamas de pez; en este caso se trata de un pez volador o exocoetidae.
Metal cubierto por cuerda, que se ha quebrado.
Hierro oxidado. La presencia de estos elementos junto al mar provoca un proceso de envejecimiento de los materiales más acelerado, debido a la sal, la humedad y la arena en el ambiente.
Cañaveral o gramíneas de cañas duras, situado en la parte más lejana al agua.
Restos de carbón, que ha sido empleado para combustión.
Agua del mar. Arrastra elementos marinos, arena y rocas y contribuye a la erosión de todos ellos. Es el principal atractivo de Nick.
ALBERTO CAMPO BAEZA Y LOS MATERIALES
La Arquitectura, por encima de las formas con que se nos aparece, es idea que se expresa con esas formas. Es idea materializada con medidas que hacen relación al hombre, centro de la Arquitectura. Es idea construida. Las formas se destruyen con el tiempo pero las ideas permanecen, son eternas.
Vamos a analizar las bases de la arquitectura de Alberto Campo Baeza con respecto a la luz: la luz como materia creativa, como médula espinal de toda definición espacial. La luz y la novedad de atravesar el espacio traslúcido con la luz sólida. La luz aparece como elemento principal de la Arquitectura. La luz que construye el tiempo. Sin la luz, la Arquitectura no es nada. La luz natural ilumina el espacio haciendo posibles las funciones que allí se desarrollan.
"Comienzo, como para cocinar, poniendo todos los ingredientes ordenados encima de la mesa: la Función, el Lugar, las Medidas, los Materiales, y la LUZ. Y busco obstinadamente una IDEA capaz de responder adecuadamente a todo ello. Una IDEA capaz de llevarnos a la BELLEZA. A una BELLEZA que sea, como proponía Platón, esplendor de la VERDAD. Sigo pensando que la UTILITAS, la FIRMITAS y la VENUSTAS vitruvianas siguen siendo válidas. Tan válidas y tan universales en el espacio y en el tiempo como el hombre para el que hacemos la arquitectura. Buscar y encontrar la IDEA es como una operación de DESTILACIÓN de todos aquellos ingredientes."
"La luz es un material. Y no lo digo yo, un tal Newton dijo que era corpuscular, así que sí, es un material. Y los arquitectos tendríamos que utilizarla como material. Y digo tendríamos porque muchos no lo hacen. De hecho, la luz es el material más lujoso que hay, el material más lujoso con el que trabajamos los arquitectos; pero como es gratis, no lo valoramos."
Y para hacer presente la luz, para hacerla sólida, es necesaria la sombra. Cuando la arquitectura levantada con muros excavaba sus huecos para permitir la entrada a la luz, los arquitectos sabían cómo dominar aquella luz sólida que perforaba las sombras.
Cuando la arquitectura con el acero y el vidrio cambia el concepto de dominio de la luz sólida por el de transparencia, se produce una profunda revolución. Y, según Campo Baeza, los arquitectos deben aprender a velar esa luz que todo lo inunda.
En el Panteón de Roma, la sabiduría del arquitecto le lleva a enmarcar la máxima cantidad luz con la máxima cantidad de sombra. Y así el óculo luminoso se cerca con la más profunda sombra que hace más luminosa aun si cabe aquella luz divina venida de lo alto.
En Santa Sofía de Estambul, los brillantes arquitectos abren una corona de altas ventanas por donde no sólo entra la luz directa, arrojada, sino también la indirecta, reflejada en sus profundas jambas blancas de una manera tal que parece un milagro el ver cruzarse los rayos de luz en el aire.
En la Farnsworth House, el arquitecto, con la misma sabiduría que sus antecesores, pero que ya sabe del acero y del vidrio, decide proponernos la transparencia absoluta. Y allí la luz suspendida en el aire nos evoca “el soplo del aire suave” con el que el profeta describe la presencia de la divinidad.
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Alberto Campo Baeza propone una arquitectura de los sentimientos a través de la luz. Esta idea puede visualizarse en el proyecto para el aeropuerto de Milán: Porta Milano. Para él, se quería construir el espacio más bello del mundo. El más luminoso. El más fascinante. Sólo con los mecanismos propios de la Arquitectura. El más simple, claro y bello. Sería como una nube. El espacio más misterioso y sorprendente. El más emocionante. Como si se tratase de un sueño hecho realidad.
El complejo se asaría en una gran caja blanca traslúcida de 60 metros de largo, 30 de ancho y 45 de altura, con una doble piel de vidrio blanco traslúcido. Una piel exterior y una interior. Paredes y cubierta de vidrio sostenidos mediante una estructura reticular interna ligera, como cartílagos. Accesible para limpieza y mantenimiento. En la piel exterior traslúcida, perforaciones para captar la luz del sol. En la piel interior, también traslúcida, aberturas acordes con la piel exterior.
La entrada de luz directa sería el contrapunto a la nube de luz traslúcida que inundaría el espacio. Y la luz sólida llegaría a tocar el suelo. La luz del sol así tratada y puesta en valor, se movería acariciando las paredes del espacio, sorprendiendo a los viajeros que llegaran a Milán. Y les conmovería. De noche, toda la caja iluminada aparecería como una gran linterna para proclamar que ésta es la Puerta de Milán, la Porta di Milano. Como una nube llena de luz.
El proyecto, madurado después de un intenso trabajo, es preciso, simple y eficaz. Capaz de conmover. Y capaz de permanecer para siempre en la memoria y en el corazón.
Reconstrucción del sueño mediterráneo.
Para esta semana he observado con mas detenimiento todos aquellos materiales que rodeaban uno de los ambientes del sueño mediterráneo de mi anfitriona y tras ver el lugar he decidido que el material con el que quiero trabajar para reconstruir ese espacio es el papel. Es un material que mi referente me ha permitido estudiar mejor y comprobar que aunque sea un material a la vista muy frágil y blando se pueden conseguir resultados muy interesantes. Tal y como el hace, mi objetivo es poder cambiar y mejorar una parte de ese lugar con materiales del mismo entorno, en este caso con el papel que está presente, por ejemplo, en los pósters o las revistas del salón de belleza donde mi anfitriona hace sus prácticas.
Así, observando en el lugar de mi anfitriona y viendo los posibles inconvenientes que dificultan ese sueño, vi que el salon estaba como casi todos los salones de belleza en un espacio que carecía de divisiones, es decir tanto las que son maquilladas como las de peluquería se sentaban al lado y me di cuenta que muchas de las clientas de mi anfitriona a las cuales maquillaba se sentían incomodas cuando el aire caliente del secador de al lado les daba de vez en cuando. Por ello he querido experimentar con el papel para hacer divisiones entre estos dos espacios y evitar que lo que ocurre en uno no pase en el otro. De este modo mi objetivo seria probar primeramente la resistencia de este material haciendo unos paneles de tubos de papel que resistieran las diferentes potencias de un secador, de tal forma que ademas de mejorar este aspecto se consiguiera una mayor intimidad que es algo que también me comentaron las clientas de allí.
Primero algunos bocetos de lo que quiero llevar a cabo, tal y como mi referente hacia antes de llevar a cabo un proyecto.
Maquetas de la propuesta
En cuanto a los experimentos realizados, he probado que grosor debería tener este panel de papel con las diferentes potencias de viento y la impermeabilidad ante el agua que pueda salpicar del pelo mojado de las clientas.
Dos tipos de grosor:
Tras ver esto, el mejor resultado sería la segunda maqueta donde los tubos son mas gruesos.
Referente
Tras unas semanas de búsqueda exhaustiva de información sobre los procesos de trabajo de Robert Venturi, he podido sacar en claro alguno de los métodos que empleaba.
Cuando comenzó a recibir encargos como arquitecto, Robert era profesor de universidad, y pedía a sus alumnos maquetas y dibujos sobre los encargos que él mismo recibía para así tomar más información. A su vez, el por su cuenta realizaba muchas maquetas, pero cada una de un diseño de los que barajaba para cada encargo. Sus proyectos eran obras a primera vista sencillas, pero en su interior se podían encontrar sistemas de organización lejos del funcionalismo de los modernos. A su vez, acaba con los volúmenes perfectos que empleaban arquitectos como Mies o Lloyd Wright, pues insistió en recuperar el ornamento de las fachadas, al igual que en su día se hizo en la corriente barroca y en la manierista. Era 
un arquitecto que cuidaba mucho los detalles, incluso diseñaba el cromatismo que él deseaba para las mismas, como podemos ver en la casa de su madre, pues posee un color que se sale del funcionalismo del blanco.
Venturi criticó duramente a los arquitectos de la corriente moderna por el uso de estos volúmenes vacíos de contenido, pues él creía que la arquitectura debía ser explicativa de su utilidad, y por supuesto contener elementos de arquitecturas precedentes. En algunos dibujos de Venturi se puede apreciar el respeto y conocimiento que este poseía sobre la arquitectura precedente, pues en ellos se podían ver estructuras de otras épocas y culturas, desde el antiguo Egipto hasta la arquitectura renacentista, pasando por la islámica y la bizantina. Es sobretodo este trabajo minucioso de referencias y ornamentos que desarrollaba Venturi lo más notable de su trabajo.
Una obra de Venturi en la que se aprecia este simbolismo que debe tener la arquitectura, es el edificio pato. Este edificio iba a ser construido para un criador de patos, y que mejor forma de construir un edificio para ese uso, que de la forma en que lo hizo. De esta forma consiguió crear una obra atractiva, que interfirió mucho en el éxito del negocio que ocupaba el local.
Este edificio esta construido con madera y una malla metálica, gracias a la cual se consiguió moldear la forma deseada del pato. Venturi en sus obras utiliza todo tipo de materiales, desde hormigones, vidrios, cerámicos, metales… No destacó por el uso en concreto de un material.
Lo que más me llama la atención de su obra y su forma de trabajar es la valentía con la que criticó y cambio las reglas del juego, cuando lo que predominaba en aquel momento era la arquitectura sencilla y funcional, y unido a ello, la valentía con la que afronto algunos de sus encargos que acabaron siendo mundialmente conocidos. También me resultan interesantes los dibujos que realizaba empleando colores en los que daba a un mismo elemento, distintos estilos ya pasados. También me gusta que recurriera a sus alumnos como fuente de inspiración.
Referencias: http://unalhistoria3.blogspot.com.es/2014/02/venturi-scott-brown-associateson-houses.html / https://alojamientos.uva.es/guia_docente/uploads/2012/474/46063/1/Documento8.pdf
Proceso de trabajo de Macadam.
Cada vez que me detengo a reflexionar, me sorprenden más las estructuras de Horiuchi Macadam. Estas no tienen que ver con el acero, la madera y los ladrillos, sino como he comentado en anteriores entradas, con cuerdas e hilos.
Pero, ¿cómo elabora estos monumentales parques?; ¿cuál es su proceso de trabajo?.
Bueno, os voy ha contar de forma resumida como Macadam trabaja durante aproximadamente tres meses la elaboración de estas estructuras:
Macadam dispone de un estudio, en el que junto con su equipo de trabajo, elaboran a mano pieza por pieza estos sorprendentes diseños. Para ello, utilizan toneladas de hilaza, las cuales son unidas in-situ.
Antes de proceder a producir estas piezas, visitan el espacio donde la estructura va a ser ubicada para así comenzar con la realización del proyecto. Durante éste, utilizan diversas herramientas de trabajo; bocetos a mano, meditando diversas posibilidades; elaboran dibujos mediante software y el desarrollo de maquetas.
Posteriormente, efectúan esas grandiosas formas tejidas a mano, necesitando la ayuda de diferentes arquitectos para el estudio de la resistencia y anclaje de las monumentales estructuras.
Por último, durante el montaje (de una duración de 15 días aproximadamente), realizan pruebas de ensayo in-situ.
A continuación muestro imágenes de su proceso de trabajo:
Imagen 1- Dibujo.
Imagen 2- Dibujo.
Imagen 3- Dibujo.
Imagen 4- Desarrollo software.
Imagen 5- Desarrollo software.
Imagen 6- Desarrollo software.
Imagen 7- Desarrollo software.
Imagen 8- Desarrollo software.
Imagen 9- Maqueta.
Imagen 10- Maqueta.
Imagen 11- Elaboración en su estudio.
Imagen 12- Elaboración en su estudio.
Imagen 13- Montaje in-situ.
Imagen 14- Montaje in-situ.
Imagen 15- Montaje in-situ.
Imagen 16- Montaje in-situ.
Imagen 16- Resultado final.
Procesos de trabajos_TOYO ITO
Los primeros “comienzos” de Toyo Ito vienen dados por su paso en el estudio de Kiyonori Kikutake (1965) a raíz de una visita que realizó al Hotel Toko-en. Este fue su estímulo inicial que lo llevó a trabajar con él, allí encuentra una imaginación constructiva, animada por cierta fe en el progreso, que luego él considerará bajo sus propios términos y así poder establecer un propio criterio proyectual.
Ito va construyendo su propio “discurso”, al cual tributan en mayor medida las percepciones subjetivas que los sistemas rigurosos de análisis. Por ejemplo, dice de las influencias de su arquitectura que están fuera del campo estricto de la disciplina, como el artista Toru Takemitsu, que según el modo de ser articulados los diferentes elementos de sus composiciones, sonidos, silencios… crea una fuente de imágenes y una rica paleta de matices trasladables a su propia obra. Dice:
En la música de Toru Takemitsu hay enormes “huecos” entre un sonido y el siguiente, espacios sugerentes en los que son posibles diferentes relaciones. Esto tiene una gran trascendencia, estos son verdaderos espacios tangibles. Espacios muy ciertos para mi.
Además de los intereses surgidos a partir de su paso por el estudio de Kikutake, la experiencia de vivir en una ciudad como Tokio ejerció en él una temprana y estimulante influencia; en especial, por el contraste entre el medio natural en el que había pasado sus primeros años y una megalópolis como ésta. Para el la ciudad como fenómeno es producto del desarrollo exponencial de los medios electrónicos de comunicación e información, tiende a disolver aquel núcleo y a reforzar lo individual.
Para hacer un breve resumen sobre su manera de ver, pensar y hacer arquitectura diría que Toyo Ito libra una batalla constante para superar convicciones arraigadas, ataduras convencionales y preconceptos modernos, con el objetivo de lograr una arquitectura que exprese un perfil más sensible. Una arquitectura que acoge a la gente. Que rompa con los límites de exterior e interior y así lo muestra en sus obras.
Mediateca Sendai
Una de las obras más significativas de Toyo Ito es la Mediateca de Sendai.
La Mediateca se diferencia de otros proyectos de su equipo en la disposición con la que se realiza los edificios encerrados en sí mismos, como un museo de arte o una biblioteca. Una de las grandes diferencias es que da la sensación que el edificio “estuviéramos utilizándolo“. Tiene que ver también que han ayudado a la elaboración tanto de la estructura física como del contenido un numero íncreible de personas ajenas a su estudio, ciudadanos de Sendai dieron su opinión acerca de como debía ser el nuevo edificio.
La arquitectura de la Mediateca consiste en 3 elementos: plancha de metal (suelo), tubo (columna) y piel (fachada o muro exterior). Desde el comienzo de su elaboración se buscó un sistema estructural compuesto sólo por estos elementos, estando constituido sólo por la plancha de metal y los tubos (columnas en forma de tubos combinados). Por supuesto añadir diversos elementos para convertirlo en un edificio funcional, puertas, paredes, ascensores, escaleras, etc. El equipo estuvo estudiando sobre unos 5 años un proceso de búsqueda para ver hasta donde podían mantener la imagen inicial de la maqueta, la del “prototipo”,(ya que su intención es mantener esa primera idea) añadiendo otros elementos más superfluos.
El sistema estructural está constituido por el forjado plano y las columnas. La estructura del forjado es una estructura de celdillas con refuerzos embutida entre dos planchas de acero. Se pueden conseguir unos espacios con distancias mucho mayores que con el uso del hormigón. Respecto a las columnas formadas por tubos de acero, están huecas y tienen de 2 a 9 metros de diámetro. En su interior se puede instalar el ascensor, las escaleras, las conducciones o las tuberías de energía, etc. Resulta que hacen el papel de núcleo. Pero no solamente eso. Los tubos cubiertos de cristal se pueden convertir en conductos para la extracción de aire, y también desempeñar el papel de conductores de la luz natural que entra desde la cubierta hasta los pisos inferiores. En otras palabras, es posible introducir los elementos naturales como la luz o el aire al interior del edificio.
Para las celdillas estructurales que componen los forjados de unos 50 × 50 metros cuadrados, estaba previsto un refuerzo con una rejilla uniforme de un metro. Sin embargo, conforme avanzaba el diseño se observó la existencia de diferencias de transmisión de fuerza entre la periferia del tubo y la parte central, y se decidió colocar refuerzos en forma radial alrededor del tubo. Resulta que en cada punto de las planchas la fuerza que se ejerce es diferente. Por la presencia de los tubos el forjado no era uniforme y se producían diferencias de lugar dentro del espacio como si se emitieran ondulaciones distintas en cada tubo.
Lo primero que intentaron fue eliminar al máximo el espacio compartimentado de las “habitaciones”, adoptando una composición espacial basada en los tubos y las planchas horizontales que forman los pisos. El espacio de 50 × 50 metros cuadrados es básicamente el correspondiente a una habitación y es un espacio donde podemos crear un lugar para varios actos. Es un espacio que crea el usuario y se transforma con el paso del tiempo.
La sensación es similar a la experiencia que se tiene cuando caminas por un bosque. Por la presencia de los árboles, se producen diferencias entre cada lugar, y se seleccionan los lugares donde la gente realiza sus actividades.
Toyo Ito, Escritos. Colección de Arquilectura • 41
Toyo Ito, Imaginería y materialización. Federico Lerner, prólogo de Toyo Ito
Referente – Procesos materiales – Diller Scofidio + Renfro
Esta semana he profundizado y analizado más a fondo a mis referenes Elizabeth Diller, Ricardo Scofidio y Charles Renfro, centrándome en cómo trabajan con los materiales.
Como he dicho anteriormente, su estudio se llama Diller Scofidio + Renfro (DS + R), y fue fundado en 1979, principalmente por Elizabeth Diller y Ricardo Scofidio, y posteriormente por Charles Renfro en 1997. Está situado en el ‘Starrett-Lehigh Building’, en Nueva York, E.E.U.U.
(Logo empresa)
(Despacho DS + R)
Hoy en día cuentan con 115 personas que trabajan en el estudio, entre arquitectos, artistas y administradores.
(Personal DS + R)
Este estudio es multidisciplinario e integra arquitectura, diseño, artes visuales, y actos performativos, así como material electrónico con cultura y teoría arquitectónica y crítica.
Su trabajo explora cómo funciona el espacio en nuestra cultura y que ilustra la arquitectura, cuando se entiende como la manifestación física de las relaciones sociales; está en todas partes, no sólo en los edificios.
Se extiende a todos los campos del diseño (arte, urbano, comercial, tecnología, paisajista, interior, productos/elementos, exposición, residencial…) con instalaciones de medios de comunicación orientados, gráficos, impresión, y producciones experimentales de danza y teatro.
Lo que me interesa de su forma de trabajo es que ven desde otro punto de vista la arquitectura, desde un punto más social y cultural.
Suelen obras a gran escala y para un gran número de personas. Y en la mayoría de sus obras aplican grandes superficies de vidrio, aunque también utilizan otros materiales como el ladrillo, madera, hormigón, acero, tela, metal…
Por lo que he encontrado trabajan con bocetos, planos, pero sobretodo con infografías y maquetas, o modelados 3D, entre otras.
DS + R, donde podemos contemplarlos en su despacho con una maqueta
Por ejemplo, esta es de la ‘SLOW HOUSE’(1991), que no se llegó a construir, de donde podemos destacar que les gusta la experimentación.
Uno de los proyectos que he encontrado más interesante es el del ‘Highline’. Es un proyecto que cuenta con la colaboración del arquitecto James Corner Field y Piert Oufolf. Es un parque público construido sobre una línea ferroviaria de carga abandonada elevada por encima de las calles sobre el West Side de Manhattan. Se extiende desde la calle Gansevoort en el Meatpacking District de West 34th Street, entre las avenidas 10 y 12.
Se quería demoler ya que los dueños de las propiedades de alrededor pensaban que así subiría el valor de sus propiedades, pero había mucha gente que no estaba de acuerdo. Así que un grupo de gente joven creó un proyecto activista. Este movimiento para salvar el High Line fue catalizado por fotografías de Joel Sternfeld del paisaje que se había creado a partir de su abandon cuando los trenes dejaron de funcionar. Se dieron cuenta de que a lo mejor simplemente creando un parque público podría ser un catalizador para el crecimiento de esa parte de la ciudad. Así que se quiere crear un plan de preservación del High Line.
(Fotos de Joel Sternfeld)
Es entonces cuando se involucran DS + R. Lo que ellos vieron fue esas ruinas que llevaban desde 1980, a las que nadie podía acceder, y todas esas semillas de las fuerzas aéreas o contenedores de transporte o de tren, que comenzaron a formar este paisaje extraño, y un ecosistema a su alrededor, que estaba en constante cambio por el contacto urbano, por lo que algunas áreas estaban en contacto con el sol, otras en sombra, otras veces con viento, otras más mojadas, y todas estas eran distintas semillas y distintos crecimientos.
Tras ir allí se dieron cuenta de lo que querían era capturar eso, esa especie de ‘mundo’ que ocurre por si solo por el hecho de ser unas ruinas de esa naturaleza urbana.
Entonces se pararon a pensar en cómo podían conseguir eso y atraer a la gente para que fuera, sin destruir ese ecosistema, que es la que consideraron la parte más complicada.
Así que se dieron cuenta de que no querían la convención de un parque, si no inventar un nuevo sistema para él. No querían que hubiera un camino por un lado y vegetación por otro.
Por lo que decidieron crear una estrategia de agri-tectura (parte agricultura, y parte arquitectura). Así que crearon y diseñaron unas unidades especiales de pavimentación. Este sistema consiste en planchas de hormigón prefabricadas individuales con juntas abiertas para fomentar el crecimiento emergente, como la hierba salvaje a través de grietas en la acera. Esto forma un conjunto/unión con la vegetación, creando una textura, paisaje 'sin caminos’, donde el público puede deambular en caminos sin guión. Están organizados en distintos grupos con diferentes proporciones, diferentes gradientes, de forma que podemos tener partes con un 100% de pavimento hasta un 100% de vegetación, o cualquier gradiente entre los dos, de forma que el camino y el movimiento no es simplemente de un lado a otro, si no que es a través.
Bocetos, esquemas y maquetas del pavimento
Y esa era la idea principal. Se centraron mucho en el diseño del pavimento y mobiliario. Como he dicho antes, las juntas permitían que prácticamente las plantas colonizaran las áreas pavimentadas, creándose una combinación.
El diseño del pavimento es muy personalizado y único. Ha sido diseñado como una única superficie flexible, donde cada una de las unidades se replica a través de toda la estructura. Es simplemente colocar una placa, y otra después de esta.
Este parque tiene tres partes, tres secciones, la primera, en 2009, la segunda en 2011, y la tercera en 2014.
Cabe destacar que tiene alrededor de doce puntos de acceso desde abajo, con una atracción en cada acceso. (wáter feature, la vista a la carretera, los asientos pavers)
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Las especies de plantas perennes, hierbas, arbustos y árboles fueron elegidos por su resistencia, por la sostenibilidad, y la variación de textura y color, dándole más importancia a las especies nativas. Muchas de las especies que originalmente crecieron en el High Line están incorporadas en el paisaje del parque, es decir, cada sección del proyecto ha conservado una parte de la plantación espontáneos que había crecido de forma natural en la estructura anterior.
El diseño del paisaje de la alta línea también hace hincapié en la diversidad en el tiempo floración, con plantas que florecen desde finales de enero hasta mediados de noviembre.
Aquí podemos ver algunas de las especies que alberga el parque, como la Mahonia x media ‘Winter Sun’, o la ‘Hamamelis virginiana’.
Antes de que tomara forma, cada componente de la estructura fue probado y tratado para asegurar su fuerza estructural. Cada pieza que se quitaba de raíl, era marcada y mapeada de forma que después, volviera a su sitio original como un trozo de planta integrado.
También cuenta con luces LED de energía eficiente eficiente iluminan suavemente los paseos del parque y permiten a los ojos ajustarse a la luz ambiente del cielo de la ciudad que lo rodea. También se han instalado luces en la parte inferior que iluminan las aceras de abajo. Para el gran jardín, se han distribuído tierra y estiércol en áreas específicas y a más de cien tipos distintos, seleccionados por viveros de la costa oeste. Y Fueron plantados por un equipo de horticultores para conseguir y llegar a los planos creados por los arquitectos del paisaje Jaimes Corner Field Operations y el diseñador de plantación Piet Oudolf.
También hay bancos de madera a lo largo de todo el paseo posicionados en mitad del paseo central. Se curvan continuamente en el suele liso de la plataforma de hormigón, demandando que la gente se siente sólo por un momento.
Hay una parte que es una especie de mirador, que da a la gran avenida, donde te sientas y ves los coches pasar desde lo alto, la gente se sienta y se queda. En resumen, al cambiar las reglas de enfrentamiento entre la vida vegetal y peatones, esta estrategia de agri -tectura combina materiales orgánicos y de la construcción en una mezcla de proporciones cambiantes que se adapte a la naturaleza, el cultivo, lo íntimo y lo social.
Y esa es la belleza del Highline, que realmente no ha sido diseñado, los edificios no estaban diseñados para ser vistos desde allí, fue una coincidencia accidental.
Bien, ahora voy a hablar más brevemente de otro de sus proyectos que me parece interesante la forma y los materiales que han utilizado. Es el Blur Building.
Es un pabellón de exposiciones creado para la Expo Suiza de 2002. Una especie de nube gigante. El público entra y se pone un chubasquero, hace un test de personalidad y pasea por el edificio, si la gente de tu alrededor tiene afinidad contigo, los chubasqueros de iluminan de color verde, de lo contrario, rojo.
Los materiales principales utilizados son el aire y el agua, aunque mayormente el agua.
Su estructura física comprende un marco ligero de 100 metros de ancho por 65 metros de profundidad y 25 metros de altura. El agua es bombeada desde el lago, se filtra y luego se dispara como una fina niebla a través de un denso conjunto de boquillas de alta presión: la niebla resultante es un juego de fuerzas naturales y artificiales. Un ‘sistema de clima inteligente', lee la temperatura, la humedad y la velocidad y dirección del viento, el procesamiento de los datos en un ordenador que regula la presión del agua a las boquillas de niebla, continuamente adaptándose a las condiciones climáticas cambiantes.
El propio material - niebla - era simplemente una transformación efímera del lago existente. Después de ser transformado en la niebla, las partículas de agua se disiparon de nuevo en el lago. El material fue simplemente reciclado.
Así también, utilizan este material dentro del edificio, a parte, en un bar, donde sirven gran variedad de aguas. Es decir, el público puede ‘beberse’ el edificio.
Una de las dificultades con las que se han encontrado ha sido que no llegaron a entender completamente el medio con el que estaban trabajando. Nadie había utilizado una niebla como material de construcción en esta escala antes. Al principio pensaron que podían hacer una nube, pero no tuvieron en cuenta el grado de exposición y de viento que tenía el sitio. Así que finalmente tuvieron que hacer pruebas.
Como podemos ver durante el proceso han trabajado con bocetos en su mayoría hasta que han ido aclarando ideas, hasta llegar a maquetas y esquemas, e infografías finalmente.
Primeros bocetos
Alzado + aspectos importantes
Maqueta de la estructura en madera y cartón
Apuntes sobre estructura
Panos con apuntes sobre detalles
Pruebas con niebla (cantidad, color) y boquillas
Pruebas con luces LED y niebla
Esquema chubasquero
Cabe destacar también el uso de la tecnología en sus proyectos como un principio de trabajo creativo, una forma de interrogar al entorno construido contemporáneo y la cultura visual que nos rodea. Aunque pertenece a una generación de arquitectos que se ha distanciado de una creencia modernista a principios de la pureza del objeto diseñado, mantienen un compromiso con la experimentación de nuevas tecnologías y el sincretismo de diferentes medios.
Cada uno de sus proyectos implica un replanteamiento del programa en el contexto de nuestra cultura y de nuestro tiempo, que consideran tan importante como el resultado final.
Cuando llegan al proyecto y a la idea es cuando determinan los medios que van a utilizar
Buscan lograr un efecto - ya sea dibujando mi mano, o pintura, o mediante el uso del ordenador, es decir, dependiendo de la idea y del proyecto, quieren llegar a un efecto utilizando distintas técnicas.
Pero cuando piensan en los sistemas de respuesta, materiales, y cosas por el estilo... El concepto es lo primero. Y a veces el concepto es acerca de la tecnología, pero no a menudo. A veces utilizan la tecnología como una herramienta para lograr algo. La usan en el diseño, en el funcionamiento de los edificios, y luego arquitectónicamente para diferentes tipos de efectos.
Les gusta trabajar con materiales y herramientas con los que no han trabajado antes, porque así surgen cosas que nunca se les ocurrirían, y aprenden de ello.