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El clima y Gaudí

En esta entrada vamos a hablar sobre los métodos de trabajo de Gaudí en lo referente al clima.

Gaudí observa la luz de Tarragona y como la naturaleza produce bellísimas formas, pero que ante todo produce formas lo más óptimas posibles y funcionales. Siguiendo estas formas naturales, las estudia desde el punto de vista geométrico, viendo en ellas superficies regladas, y utilizando los hiperboloides en su arquitectura como espacio por el que mejor podía pasar la luz.

SAGRADA FAMILIA 16

91 - Barcelona - Gaudi - basilica de la Sagrada Familia - interior - nave central - boveda hiperboloide

En su estudio Gaudí hace pruebas sobre la incidencia de la luz. Fotografiaba un objeto iluminado con luz cenital rodeado de 4 espejos que le permitía ver el objeto desde 4 posiciones distintas más la frontal y ver así los juegos de la luz y las sensaciones que esta provocaba al incidir en él.

La manera de proyectar además era muy especial, para decorar la fachada de la casa Batlló, Gaudí mando subir a unos albañiles a los andamios con un saco de trozos de cristal de un mismo color cada uno, y él colocado a cierta distancia en el “passeig de Gràcia” mandaba donde se debía colocar cada trozo de cristal, lo que le permitía ir componiendo y viendo al mismo tiempo una visión global de su obra y que efectos tenía en la luz, efectos imposibles de ver en la obra y que deben ser estudiados al mismo tiempo que se realiza esta.

Casa-Batlló-Blog

Por último decir que Gaudí pensaba que la incidencia de la luz en el mediterráneo era la idónea para la observación de los objetos pues el ángulo de esta a 45º permitía ver realmente como son, al contrario que en el norte donde la luz es demasiado cenital lo que provoca que se vean los objetos deformados, fantasmas de los verdaderos objetos.


Enric Miralles y el clima

Tras un análisis de los proyectos de Enric Miralles y del proceso de indagación de su vida y sus estudios, comprobamos como en el conjunto de sus obras destaca la humanidad de su trabajo, su mirada y sus investigaciones que iban más allá de los edificios y del espacio a intervenir, así como la creación de armonía con el paisaje reforzando su significado.

Sus propuestas eran ambiciosas, con mucha ilusión detrás y gran calidad, una calidad que lograba construyendo con el entrono, estudiando todos los fragmentos, reinterpretando y transformando mediante las superposición de capas. Estas capas se construyen con el tiempo y lo absorben beneficiándose y transformándose al unísono. 

Su modo de construir buscaba una arquitectura humanizada, impulsando a quien la miraba o disfrutaba a interactuar con ella y con la escena urbana que acaparaba y definía. Nunca buscó negar su naturaleza, todo lo contrario, jugar con ella, con sus funciones ya sean estructurales, de cerramiento u ornamentales. Los materiales aportaban a sus obras profundidad, cualidades originales cuya finalidad en el juego de su proceso constructivo le ayudaban a poner el edificio en contexto, en dependencia del entorno. De esta forma, su trabajo delata vitalidad, ansia por relacionar al lugar, el edificio y el habitante y su pasión por buscar fuerza, armonía y pasión en sus obras. 

Enric Miralles elaboraba sus diseños en base a un detallado estudio de las zonas alrededor de sus edificios que realizaba previamente. Miraba más allá del espacio en cuestión, pretendiendo dar significado y armonía al paisaje. Estudiaba con determinación el entorno y el espacio en los que desarrollaría su proyecto, tanto los espacio que lo rodean como las acciones que acontecen en esos espacios.





Miralles tomaba nota de todo lo que sucedía en los lugares, intentaba ponerse en la piel de la gente y trabajaba con ellos. Para la realización de unas de sus obras, el Parlamento de Edimburgo, se interesó por la cultura del lugar y sus gentes, además se puso en la piel de los diputados que acudirían a trabajar, pasando gran parte de su tiempo en esa instalación. Por este motivo, su proyecto queda integrado en la naturaleza que lo rodea, utilizando además materiales que se mezclan con el entorno donde se desarrolla el proyecto. 


Se pueden apreciar las vistas desde el interior del edificio del Parlamento de Edimburgo hacia las grandes montañas y campos completamente verdes de la zona, además Miralles realizó diferentes escalonamientos del edificio con una pequeña muestra de ese césped sobre esos escalonamientos, consiguiendo que ese campo se amplíe y accoplándose a la topografía del lugar, creando así una unidad capaz de mantener la homogeneidad del lugar, integrándose en él.




Referente, clima-1



Cuando Frank Lloyd Wright empieza a trabajar, tiene encuentra las condiciones climáticas que hay alrededor, además también tiene en cuenta esa propia naturaleza que hay en la zona donde va a desarrollar su trabajo. Aunque Wright siempre combinaba con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas, incorporó los bloques de hormigón armado prefabricados y paneles de calefacción, pero aun así, realizaba sus casas de modo que pudiesen refrescarse de forma natural, utilizando la diferenciación de fachadas, con amplios ventanales según la orientación. Esto le permitía que, a parte que la luz entrase de manera natural al interior de la estancia, que pudiese entrar los flujos exteriores como el clima.

Frank Lloyd Wright rechazaba los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas, y diseñó espacios en los que cada habitación se abriese a los demás. 

Además para Wright cada edificio debía estar vinculado a su función, al entorno y a los materiales empleados en su construcción. Por eso muchas de las obras de Wright estaban relacionadas con el exterior, quería mantener en sus casas una relación con el clima exterior, que con el interior hubiese una relación con el exterior de una manera directa, a través de sus materiales y sobretodo con los ventanales grandes que incorporaba en ellas. Para favorecer la ventilación natural ubicaba las construcciones orientándolas con el eje de la casa orientado hacia las vistas principales de alrededor.









Las herramientas que utiliza para realizar estos diseños son para Wright principalmente la observación, es decir, ir al lugar observar el mínimo detalle que pase en ese lugar, además de intentar relacionarse el con ese propio clima de donde va a construir. 

Para realizar estos procesos de diseño Wright utilizaba el dibujo, ya que el dibujar nos permite llegar a un descubrimiento mayor. 





Para cada nuevo proyecto, su profundo análisis del sitio se convierte en una de sus herramientas de diseño. Como escribió en 1908 Wright: «En cuanto al futuro, el trabajo se volverá verdaderamente más simple, más expresivo, con menos líneas, menos formas; más elocuente con menos trabajo; más plástico; más fluido, aunque más coherente; más orgánico. No crecerá para adecuarse más perfectamente a los métodos y procesos a los que se recurre para producirlo, sino que encontrará aquello que sea encantador o de buena reputación en el método o en el proceso y lo idealizará con el más limpio y más viril trazo que pueda imaginar».



El pensamiento de Wright acerca de la ciudad creciente de Estado Unidos en las décadas de 1920 y 1930, cuando trabajó simultáneamente sobre formas radicalmente nuevas de rascacielos y en un amplio plan para la urbanización del territorio americano titulado “Broadacre City", explican a través de dibujos y maquetas a gran escala.



Este dibujo representa una perspectiva interior, secciones y plantas de la sala de estar y niveles del balcón. Hecho a tinta, lápiz y lápiz de color sobre cortina de ventana, (119.4 x 88.9 cm)

Esta maqueta a gran escala trata cuestiones de densidad urbana y temas sobre cómo integrar la luz y el paisaje para el edificio alto.





Este dibujo estaba dibujado desde una perspectiva aérea, hecho con un grafito y lápiz de color sobre un papel de calco (60.3 x 38.1 cm)


Por último, después de indagar un poco más en las relaciones de Wright con el clima y en los flujos del patio de mi anfitriona Catherine, me voy a centrar en el flujo del clima con los árboles, es decir, lo que quiero, al igual que hacia Wright, es indagar en las relaciones que conforma la naturaleza con relación a una casa, en este caso al patio. 

Los diferentes climas y estaciones del año, nos permiten diferentes movimientos y flujos a un árbol. Para Wright, el clima era importante por eso quiero centrarme más en ese tema. El proceso de diseño que quiero mostrar es con diferentes pruebas dependiendo la temperatura, el clima y los movimientos que pueden suceder en ese patio. Además de mostrar esto con diferentes dibujos.

A continuación adjunto una imagen relacionada en Wright para poder explicar esto.





LA LUZ Y LA GRAVEDAD EN LA ATMÓSFERA

"Eso que tienen en común, ¡qué cosas!, poesía, cocina y arquitectura: ingredientes concretos en cantidades medidas, mezclados con sabiduría. Lo que los clásicos llaman «con conocimiento de causa». Con medidas precisas y con «tempos concretos», la Arquitectura, como la poesía y la cocina, no se surte de «encuentros casuales» sino de «búsquedas laboriosas». Pues laboriosa es la investigación del arquitecto que, con todos los datos encima de la mesa, piensa y mide, mide y piensa, para llegar a los «encuentros certeros». Y es que las ideas, en Arquitectura, tienen dimensiones y medidas.

Y esos encuentros certeros de ingredientes, medidas y tiempos, son lo que en la cocina se llaman «recetas», y lo que en la poesía se encuadra en la «métrica». En Arquitectura, de algún modo, las claves las desvelan los arquitectos en sus textos."

La idea construida. La Arquitectura a la luz de las palabras. Alberto Campo Baeza.

En los textos de Alberto Campo Baeza es posible extraer las ideas principales de su manera de hacer y entender arquitectura:

La LUZ y la GRAVEDAD como temas centrales de la ARQUITECTURA.
La LUZ que construye el TIEMPO.
La GRAVEDAD que construye el ESPACIO.
La LUZ que tensa el espacio para el hombre y la GRAVEDAD que tensa
la construcción.
La LUZ con su capacidad inefable de vencer a la GRAVEDAD.


Es el hombre quien y para quien se crea la Arquitectura. Y su relación con el Espacio se hace a través del Tiempo. Lo que traducido a elementos materiales viene a desembocar en su relación con la Gravedad y con la Luz. Son la Gravedad, que construye el Espacio, que hace relación al Espacio, y la Luz, que construye el Tiempo, que da razón del Tiempo, cuestiones centrales de la Arquitectura. El control de la Gravedad, y el diálogo con la Luz. El futuro de la Arquitectura, según Campo Baeza dependerá de una posible nueva comprensión de esos dos fenómenos acompañado de un más claro y más profundo entendimiento.

Se descubre entonces que la Luz es la única que capaz de vencer y convencer a la Gravedad. Y así, cuando el arquitecto le pone las trampas adecuadas al sol, a la Luz; ésta, perforando el espacio conformado por estructuras que necesitan estar ligadas al suelo para transmitir la Fuerza de la Gravedad, rompe el hechizo y hace flotar, levitar, volar a ese espacio.


Y, ¿en qué se traducirá esta relación, este dominio del hombre sobre la Gravedad y sobre la Luz? La conclusión de esta relación será la consecución de la Belleza: el «Pulchrum». Si la Verdad, el «Verum», hace rendirse a la inteligencia, y la Bondad, el «Bonum», a la voluntad, en el terreno de los sentimientos el hombre se rinde ante la Belleza. La creación de la Belleza permanente de la que la Arquitectura es, quizás, su expresión más concreta y rotunda. La Belleza, con sus múltiples facetas también puede ser plasmada en la Arquitectura de muy diversos modos, con muy diferentes formas, a través de estlos muy distintos.

El servicio a las necesidades del hombre (Función), la respuesta adecuada al paisaje en que se incluye (Contexto), la racionalidad de su construcción (Construcción), la posibilidad de ponerla al alcance de todos (Economía), etc. deben ser cualidades de la creación arquitectónica. Pero, además, la Arquitectura debe ofrecer al hombre ese «algo más», misterioso pero concreto, que es la Belleza. La Belleza inteligente que es consecuencia de unas obras que son ideas construidas.

En definitiva, el Futuro de la Arquitectura está en las ideas. En los arquitectos que piensan. En los que tienen ideas y son capaces de construirlas. Dedicando el necesario tiempo para ello. Dominando la Gravedad y controlando la Luz. Y poniendo siempre al Hombre como centro. Buscando la Belleza para dársela a los hombres.

Como respuesta a estas ideas base, Alberto Campo Baeza propone una Arquitectura esencial de IDEA, LUZ Y ESPACIO. De Idea construida, materializada en Espacios esenciales animados por la Luz. Una Arquitectura que tiene en la IDEA su origen, en la LUZ su primer material, en el ESPACIO ESENCIAL la voluntad de conseguir el MÁS CON MENOS. IDEA con vocación de ser construida, ESPACIO ESENCIAL con capacidad de traducir eficazmente estas ideas, LUZ que pone en relación al hombre con esos espacios.

El ESPACIO conformado por la Forma, que traduce la IDEA, y que es tensado por la LUZ, es el resultado material, tangible de la Arquitectura. Campo Baeza crea una atmósfera palpable y sólida en sus obras a través de la luz. La combinación adecuada de diferentes tipos de luz tiene, conociéndolos, posibilidades infinitas en Arquitectura.

Las sombras son dramáticamente atravesadas por la Luz sólida del mediodía, que viene de lo alto y se materializa en la blanca pared sobre la que incide. Porque la Luz y su movimiento es la que hace que cobren vida los espacios; pues en la Arquitectura, ese movimiento de la Luz es real. Y si se consigue el diálogo entre el espacio, la Luz que lo recorre y el hombre que lo habita, allí aparece la Arquitectura. Algo muy fácil y muy difícil a la vez.

El color blanco en la Arquitectura es una base firme, segura y eficaz, para resolver problemas de Luz: para atraparla, para reflejarla, para hacerla incidir, para hacerla resbalar. Y controlada la Luz e iluminados los blancos planos que lo conforman, el espacio queda controlado. El blanco certero es el instrumento preciso para dominar los mecanismos espaciales propios de la Arquitectura.

Hacer un espacio lleno de luz traslúcida atravesado, perforado por la luz sólida del sol en la cantidad precisa, era el intento perseguido por Baeza en la concepción del Museum of Italian Art, Garrison, en Nueva York.

Se trata de un pabellón para alojar la Colección de Arte Povera Italiana y los vidrios de Murano de los Olnick Spanu en Garrison, en el cual se planteaba una caja de hormigón muy sobria, con un espacio muy especial en el vestíbulo de entrada, un cubo blanco de 10x10x10 metros, con su mitad superior traslúcida.

 


Este cubo posee una estructura delicada y blanca, con la capacidad no sólo de resistir adecuadamente a las solicitaciones de la gravedad, sino, además, de desaparecer por la fuerza de la luz tras los vidrios traslúcidos con los que se cubre tanto por dentro como por fuera. Una estructura sencilla de pilares de acero pintada de blanco. La distancia entre las dos pieles de vidrio traslúcido será de 1 metro, para permitir circular por su interior y controlar las instalaciones, la luz artificial y la limpieza.

La piel exterior es de vidrio traslúcido con una carpintería capaz de responder al agua y al frío. Para el acristalamiento se emplea un vidrio laminado de seguridad traslúcido. La piel interior es igualmente de vidrio traslúcido, colocado con mayor radicalidad. Si bien la piel exterior tiene una ligera pendiente para expulsar el agua y la nieve, la piel interior es totalmente horizontal.

 




El suelo es plano donde llega la luz sólida, tanto la procedente del techo como de las paredes, y en su totalidad de hormigón blanco, capaz de dar las máximas prestaciones y, sobre todo, de reflejar bien la luz.

El espacio interior resultante es un espacio de luz traslúcida, como si se estuviese dentro de una nube. Desde fuera aparecerá en la noche, encendidas las luces, como una linterna con una gran capacidad de atracción. Y de día la luz natural reflejada emana desde el interior.

La clave del proyecto, sin embargo, se consigue haciendo perforaciones, tanto en la piel exterior como en la interior, para que el sol, la luz sólida, entre a trastocar ese espacio inicialmente sólo traslúcido. El acierto, la precisión, en el orden y la dimensión de esas perforaciones, mide el punto de tensión de ese espacio. La coincidencia y falta de coincidencia por razón del movimiento de la luz del sol, hará patente dicho movimiento en las manchas de luz que aparecerán y desaparecerán según coincidan o no los boquetes.

 


 


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El caso más evidente de cómo tratan el clima Herzog & De Meuron es el del “Pérez Art Museum Miami”.

En concreto, en las agrupaciones de columnas colgadas de la estructura del techo ubicadas en la terraza, que dan lugar a exuberantes jardines verticales diseñados por el artista y botánico Patrick Blanc. Quien ha utilizado plantas tropicales nativas que cuelgan entre las columnas estructurales y plataformas. Las plantas han sido seleccionadas con un rango de vida de manera que puedan soportar la exposición al sol y el viento, así como la temporada de tormentas de la ciudad.

De forma intencionada, esas columnas se han creado y se han situado ahí para evitar el molesto viento y el sol en la entrada al museo.

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El resultado es que la oscilación térmica entre exterior e interior queda mitigada por el microclima creado en la entrada.

Al igual que Herzog & De Meuron, yo me propongo una reconstrucción del lugar del sueño mediterráneo a partir de la creación de un elemento que, en el cabo de la playa de San Juan, sirva para proteger a Patrick de la arena cuando hace mucho viento.


Olafur Eliasson y el Clima

En este post hablaré de el artista Olafur Eliasson, el cual es mi referente y explicare como trabaja con la atmósfera y el clima en sus proyectos:

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Nacido en Copenhague, se formó en la Real Academia de las Artes de la capital danesa hasta 1995. Actualmente, reside en Berlín, donde tiene su estudio que en los últimos años ha visto crecer notablemente el número de colaboradores implicados en la producción de sus obras. Para abarcar el amplio abanico de proyectos interdisciplinares en los que trabaja, cuenta con un equipo formado por artistas, técnicos especializados, arquitectos e historiadores del arte.

También desarrolla una labor docente en la Universitat der Künste de Berlín y en 2009 creó su propia escuela, el Institut für Raumexperimente, guiada por la convicción de que la enseñanza es una ciencia en constante cambio, puesto que alumno y profesor intercambian conocimientos.

Si podemos aprender el aprendizaje, realmente tendremos una herramienta potente. La producción de conocimiento tiene una veta previsible“.

Representó a Dinamarca en la bienal de Venecia de 2003 y ha expuesto en varios museos y galerías de arte internacionales.

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El artista danés persigue mostrar cómo a lo largo de la historia los modelos de percepción objetivos provocan cambios en las estructuras sociales e ideológicas, de forma que afectan a nuestra visión del mundo.

La obra de Olafur Eliasson toca lo más primario de nuestra persona: las emociones y los sentidos. Utilizando elementos efímeros y naturales como la luz, el humo, el hielo y la tierra, y materiales industriales como el espejo, el acero y los filtros de colores, este artista crea “máquinas”, objetos e instalaciones site specific que invitan a experimentar el tiempo y el espacio, a explorar los límites y el ejercicio de nuestros sentidos, a vivir la experiencia de los fenómenos naturales tanto al aire libre como en los confines de un museo o una galería.

En su obra, sentirse tanto dentro como afuera, contemplar y dejarse llevar por las sensaciones, son actos mágicos, casi religiosos. Frente -o dentro- de sus trabajos, nos sentimos ubicados en el plano puramente sensorial, desmaterializado, ilusorio pero sin trucos. Cada obra de Eliasson es transparente. Sabemos cómo está hecha y, sin embargo, nos lleva a un territorio entre lo desconocido y lo que hemos visto y sentido. Eliasson nos hace conectar lo que sabemos con cómo lo sentimos.

El artista nos hace vivir una experiencia y, al mismo tiempo, nos hace conscientes de que trata de una experiencia (en la mayoría de los casos, una experiencia colectiva). Estas experiencias y percepciones se dan tanto a nivel de la psicología de la percepción, la fenomenología, los efectos ópticos y retinales, como de lo físico: dónde comienza y termina un espacio, como nos relacionamos con el entorno arquitectónico y con las cosas y personas que nos rodean.

“El artista investiga leyes conocidas de la física, la neurología y la óptica para invitar al espectador a experimentar fenómenos naturales, como la neblina, la luz, el color y los reflejos”, dice el curador brasileño Jochen Volz. Sin embargo, su interés reside menos en la teoría y en los aspectos científicos que en la participación activa del espectador en la creación de determinados fenómenos, por medio de una interpretación para la cual se sirve de su cuerpo, de sus sentidos y de su conocimiento. Ver, sentir y cómo nos relacionamos con otros son sus principales intereses.

A pesar de ser considerado como uno de los artistas más importantes de nuestro tiempo, Eliasson resta importancia a su papel en las instalaciones que realiza, reivindicando al espectador como parte fundamental de la obra, y centrando su identidad como artista más en el proceso de construcción que en la obra finalizada.

“Desmitificar al artista es un modo de conseguir que el arte forme parte de la sociedad. Es esencial mantener el arte conectado a la sociedad.”

Para Eliasson, los factores climáticos intervienen en la vida de las personas desde hace miles de años ,pues considera que el hombre se preocupa más por defenderse de su entorno que de sí mismo.

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El Tate Modern de Londres, insertado en un área post industrial de la ciudad británica, fue el recinto que exhibió The Weather Project. Esta instalación de Olafur Eliasson, que celebra diez años y fue comisionada por The Unilever Series, se creó como una forma de vincular a las personas con el museo.

El proceso comenzó insertando en el proyecto artístico al personal del museo a través de un cuestionario de veinte preguntas que incluyó temas sobres el clima, tales como: ¿Cuántas veces hablas sobre el clima? ¿crees que el tiempo o el clima tiene algún impacto en tu salario? ¿en cuál estación del año besas a alguien diferente a tu pareja?

De esta forma se creo un diálogo entre el artista y las personas del museo, que se reflejó incluso en la comunicación para la exposición. Por ejemplo, la campaña publicitaria se basó en las preguntas antes mencionadas más que en imágenes representativas de la obra. Este proceso fue elaborado por Eliasson para adentrarse en los procesos internos del museo que tienen que ver con el poder y control de la información sobre la obra de arte.

Esta obra se instaló en el fondo de la Sala de Turbinas del Tate. Una pantalla iluminada por alrededor de doscientas lámparas de luz amarilla a casi ocho metros de altura dispuestas en semicírculo y con el reflejo de enormes espejos, que en conjunto logran esta vista teatral y dramática del sol. Estos elementos eran observados por los visitantes del museo, que intrigados por la puesta de sol podían acercarse y observar características técnicas de la obra

El piso inclinado y el espacio abierto, así como el techo reflejante permitieron que las experiencias entre las personas se intensificaran y pudieran crear relaciones entre sí y con la obra. En The Weather Project vemos claramente el discurso de Olafur Eliasson y la forma en la que se relacionan las instituciones con las personas y el arte.

Los encuentros entre las personas y el intercambio que se dio entre ellas es fundamental para la obra. Protestas sociales, experiencias sensibles y reuniones fueron comunes durante la exposición de la obra. De esta forma el museo fue un espacio público, democratizado en el que las personas experimentan y son parte del proceso artístico.

Formar parte del trabajo del artista y experimentar el resultado final de un proyecto creativo que involucra a la sociedad son factores determinantes para esta obra, considerada como una de las más efectivas para el Tate de Londres y su democratización.

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Situada en la frontera entre la tierra y el mar, el Harpa Concert Hall  se destaca como una gran escultura que refleja tanto el cielo y el espacio del puerto, como también la animada vida de la ciudad. Su diseño se inspiró en las auroras boreales y en el dramático paisaje de Islandia. Las fachadas espectaculares han sido diseñadas en estrecha colaboración entre Henning Larsen Architects, el artista danés-islandés Eliasson Olafur,  empresas de ingeniería Rambøll y ArtEngineeringGmbH de Alemania.

Las fachadas se inspiraron en la naturaleza. Hechas de vidrio y acero, la fachada es un sistema geométrico modular similar a un caleidoscopio de colores, que se refleja en los más de 1000 módulos que componen la fachada sur.  Para lograrlo, el equipo de diseño trabajó con modelos de computadora, tecnologías , maquetas y modelos.

Los módulos que conforman la fachada forman figuras geométricas de doce lados y van apilandose, generando esa trama, dejando un umbral de aire y reflejos entre el limite exterior y el limite interior de la misma fachada.

La transparencia y la luz son elementos claves de esta construcción con el objetivo de desmaterializar el edificio como una entidad estática pero cambiante, susceptivo a los cambios del entorno que se ven reflejados en su superficie.

La sala de conciertos y centro de conferencias de 28.000 m2, está situado en un paraje solitario con una visión clara del  mar y las montañas circundantes de Reykjavik. Cuenta también con un vestíbulo en la parte delantera del edificio, cuatro salas en el centro y una zona de backstage, con oficinas, administración, sala de ensayos y vestuarios en la parte trasera del edificio. Los tres grandes salones se encuentran uno junto al otro con el acceso del público en el lado sur y entre bastidores desde el acceso norte. El cuarto piso es una sala multifuncional con capacidad para espectáculos más íntimos y banquetes.

http://www.domusweb.it/en/video/2011/09/08/harpa-by-eliasson-and-henning-larsen.html

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Bibliografia:

http://devargas.com.es/harpa-concert-hall-por-henning-larsen-architects-y-olafur-eliasson/

http://www.elmundo.es/cultura/2014/04/06/530b60b622601d2e1c8b457d.html

http://www.arqred.mx/blog/2008/08/08/proyecto-de-clima-olafur-eliasson-un-artista-escandinavo/

http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/olafur-eliasson

http://www.elcultural.es/revista/arte/Olafur-Eliasson/33229

http://suite101.net/article/el-arte-de-olafur-eliasson-entre-la-naturaleza-y-las-ciencias-a50873#ixzz2BD3BbTCo

http://olafureliasson.net

http://www.artishock.cl/2011/10/experiencia-y-percepcion-en-la-obra-de-olafur-eliasson/

Studio Olafur Eliasson. Taschen.

http://www.domusweb.it/en/video/2011/09/08/harpa-by-eliasson-and-henning-larsen.html

https://www.youtube.com/watch?v=-dFOphuPqMo


Recreación referente

En cuanto a la relación de Frank Gehry con el clima, cabe destacar que la construcción de todos los edificios que ha desarrollado Gehry disponen de la utilización de unos materiales que han sido testados para ver como reaccionaban frente a diversas acciones. Por ello los materiales que se han empleado en les edificios disponen de unas características óptimas dependiendo del lugar y del entorno alrededor del cual se encuentran, debido a que no en todos los lugares suele hacer la misma temperatura. Un claro ejemplo de ello es que el edificio de Walt Disney Concert Hall que en un principio se había construido con materiales metálicos reflejantes lo que ocasionó grandes problemas a los vecinos, que vieron incrementada la temperatura del lugar lo que obligó a los diseñadores a cambiar esas piezas de metal por otras no reflejantes.

Además cabe destacar la utilización de vidrio para permitir la entrada de luz que permita crear sensaciones en los interiores de sus edificios debido a que estas entradas de luz no tienen que ver nada con las de un edificio normal. En este tema cabe destacar un de sus últimas obras que es la Fundación Louis Vuitton en donde ha creado un edificio a base de vidrio que permite la entrada de la luz y así como de una relación con el entorno, a diferencia del titanio que resaltaría demasiado debido a que se encuentra en el interior de un parque.

Una frase dicha por él resume muy bien lo que él piensa del clima: ” No soy un funcionalista, pero creo que un edificio te protege, como un sobre. Aleja el clima, te resguarda del viento. Es muy importante para mí que el proyecto funcione y lo trato con respeto “. Es por ello que Gehry pretende resguardar el edificios de las inclemencias meteorológicas. Para que esto no suceda Gehry hace muchas pruebas con maquetas y programas informáticos como catia, además de las pruebas que realiza en los diversos materiales que emplea en sus obras. Un claro ejemplo de ello son las placas de titanio que se utilizan consiguiendo láminas muy pequeñas que al darles el viento hace que vibren y se ondulen pero no se rompen y además resisten muy bien la polución.

Para esta semana voy a hacer una maqueta de una estructura que sirva para proteger los sitios afectados por las inclemencia del lugar de mi anfitrión, y mediante esta estructura modificar los sitios de luz de esa zona. Es por ello que para la utilización de la maqueta voy a emplear metales o vidrios que permitirán esos cambios de luces. Esta estructura sera sometida a unas pruebas tanto de resistencia, corrosión etc como hace Frank Gehry a la hora de poner un material en el exterior.

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Bibliografía:

http://elpais.com/elpais/2014/10/10/eps/1412952309_269436.html

– http://www.eltiempo.com/estilo-de-vida/gente/reconocimiento-al-arquitecto-frank-gehry/14032303

– http://www.elmundo.es/elmundo/2010/12/28/cultura/1293548346.html

– http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/frank-o-gehry/page/2

– http://moleskinearquitectonico.blogspot.com.es/2009/02/gehry-walt-disney-concert-hall.html

– http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/frank-gehry-arquitecto/


Procesos de trabajo de DS + R con el clima

Con el fin de la reconstrucción del sueño mediterráneo de mi anfitrión Juan Carlos esta vez desde el clima en uno de los lugares que lo conforman (el parque de la zona Golf), y como he hecho anteriormente, voy a analizar los procesos de trabajo de mis referentes DS + R con el clima para así recrearlos posteriormente.

También, y como he hecho anteriormente, voy a explicar estos procesos a partir de dos obras, que también he explicado anteriormente en otros aspectos, que también son las que considero que mejor describen y reflejan estos procesos: el Blur Building y el Highline.

Bien, en el Highline se producen una serie de flujos muy distintos, y es que DS + R cambian totalmente la atmósfera de este lugar, que pasa de ser una línea ferroviaria de carga a un parque público. Es decir, que los flujos que había anteriormente se basaban en el ruido de tráfico de los coches que pasaban por debajo, de los trenes pasar, pitar, o de los raíles.


Como he dicho anteriormente, DS + R no querían la convención de un parque, es decir, no querían que hubiera un camino por un lado y vegetación por otro, y por ello a través de la estrategia de ‘agri-tectura’ (parte agricultura y parte arquitectura) crearon y diseñaron unas unidades especiales de pavimentación a partir de planchas de hormigón prefabricadas individuales con juntas abiertas para fomentar el crecimiento emergente, formándose así un conjunto con la vegetación, y una textura.


A partir de esto, los flujos que se crean, aunque se siguen manteniendo los de alrededor, como son los ruidos de los coches pasando por debajo, son totalmente distintos, ahora son flujos de personas caminando, corriendo, flujos de pájaros volando o posados en la vegetación.

Personas caminando

Flujo de coches, ruido, tráfico


Sombras

Son muy distintos unos de otros. Los flujos de viento, por ejemplo, serán distintos a cuando pasaban trenes a altas velocidades.

En cuanto al Blur, también podemos observar varios flujos de energía y materiales. El más obvio y el que más llama la atención en este proyecto es el del clima. Y es que DS + R crean un clima determinado en el edificio, exterior e interiormente.

Como he explicado anteriormente, esta 'atmósfera' se crea a partir del lago que rodea al edificio. El gua es bombeada desde el lago, se filtra y luego se dispara como una fina niebla a través de un denso conjunto de boquillas de alta presión: la niebla resultante es un juego de fuerzas naturales y artificiales. Un ‘sistema de clima inteligente', lee la temperatura, la humedad y la velocidad y dirección del viento, el procesamiento de los datos en un ordenador que regula la presión del agua a las boquillas de niebla, continuamente adaptándose a las condiciones climáticas cambiantes.


El propio material - niebla - es simplemente una transformación efímera del lago existente. Después de ser transformado en la niebla, las partículas de agua se disiparan de nuevo en el lago. El material simplemente se recicla.





Para ello se han hecho bocetos, maquetas y sobretodo pruebas con la niebla (cantidad y color) y con distintas boquillas.





Bocetos


Maqueta de la estructura en madera y cartón


Pruebas con niebla (cantidad, color) y boquillas

Los chubasqueros son otro flujo que se crea, y es que estos se iluminan según la afinidad con las demás personas que visitan el edificio. Esto provoca un flujo de luces y de personas que se va iluminando de manera distinta.




Para ello también se han hecho esquemas y pruebas para la visibilidad de estas luces (LED) en la niebla.

Pruebas con luces LED y niebla

Esquema chubasquero

El "clima" en el Lugar del Sueño Mediterráneo de José

El elemento con el que voy a trabajar más a fondo durante esta semana es el mar.
El mar, sus corrientes, su fuerza, su calma... modela y rige todos los movimientos que suceden en La Calita.
Las zonas de baño, de descanso, de pesca, así como de almacenamiento de algas, la existencia de costa erosionada y suave, o escarpada y con aristas, las plantas que existen ... en definitiva todo viene condicionado por el mar.
Si actuamos sobre él, ¿cómo quedarían afectados todos los movimientos que ahora, de forma natural suceden?, ¿ Se puede actuar sobre el mar?, ¿ de que manera?.
Avanzando y dando respuesta a las preguntas enunciadas, podemos afirmar con seguridad que cualquier actuación sobre la "vida", entendiendo por vida, los seres vivos y su interrelación.
¿Se puede actuar sobre el mar?
La forma de actuar sobre el mar es actuando sobre la potencialidad de generar movimientos de masas y acciones, debido a la energía del agua en movimiento.
¿De que manera?
Aquí es fundamentalmente no perder la "esencia" de La Calita, es decir, cualquier actuación que se realice debe ser "asimilada" por el entorno, debe ser respetuosa con la vida existente, y sobre todo debe integrase de manera natural en la propia cala.
Es sistema elegido para actuar sobre el mar es considerar realizar diferentes tipos de "diques de escollera"
Trabajaré mediante dibujos, con diques emergentes, situados en zonas diferentes, y también con diques sumergidos. Analizaré en cada caso la respuesta del mar y de forma indirecta la repercusión sobre todo lo que se da vida a La Calita, y así como su afección a la costa.

Los procesos de trabajo de Glenn Murcutt con el clima

A la hora de diseñar Glenn Murcutt tiene muy en cuenta las condiciones climáticas de la zona. Prueba de ello es que no utiliza medios tecnológicos como el aire acondicionado, sino que realiza sus casas de modo que puedan refrescarse de forma natural, utilizando la diferenciación de fachadas, ciegas o con amplios ventanales según sea su orientación. Para favorecer la ventilación natural ubica las construcciones orientándolas en la dirección de las brisas dominantes, usa la planta rectangular y eleva sus casas sobre el plano del suelo. Y para realizar esto, es evidente que Murcutt es un especialista a la hora de sentir y analizar el clima.

Murcutt nos recalca esta idea cuando nos dice:

“Creo que mucha arquitectura se construye sobre la tierra, y no con la tierra. Estoy muy atento al paisaje, al entorno natural de cada construcción. Tomo en cuenta la topografía, las tormentas, la flora, la fauna, la luz, la forma en que el viento mece los árboles, el clima, los cursos de agua, y trato de resolver la construcción con tecnologías sencillas, muchas veces trabajando con los materiales del lugar.”

Pero ahora bien, que herramientas utiliza para realizar esos diseños que han caracterizado su arquitectura. Una de las coasa que evita Murcutt es el dibujo por computadora. En cambio, sus herramientas de diseño principales, dice, son un lápiz No. 2, su cerebro y un poco de cinta adhesiva.

El dibujo es muy importante para Glenn Murcutt ya que dice que el dibujar nos permite llegar al descubrimiento. Además, nos dice que uno de los problemas más grandes de nuestro periodo es que hemos desarrollado herramientas que nos permiten rapidez, pero la rapidez y la repetición no nos llevan a las soluciones correctas. La percepción nos da las soluciones correctas.

Para cada nuevo proyecto, su profundo análisis del sitio se convierte en una de sus herramientas de diseño: topografía, flora, vientos, temperaturas, ángulos del sol, la lluvia, las vistas que prevalece, se convierten en parte del escrito, la determinación de emplazamiento, orientación, aberturas y materiales. Murcutt también intenta dejar que las restricciones del sitio de forma al diseño de modo que se minimice la perturbación.

Otra de las herramientas características de Murcutt es que utiliza a menudo el dibujo rápido in-situ y sus plantas y secciones hechas a mano están llenas de especificaciones que permiten construir utilizando simplemente estos planos.

Algunos ejemplos de estos dibujos realizados in-situ son:

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Además, para profundizar más en la comprensión de la estructura del edificio y de la topografía del terreno Murcutt realiza maquetas como estas:

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Por estas razones esta semana me propongo realizar dibujos rápidos in-situ con anotaciones utilizando un lápiz número 2, como el de la imagen de abajo, para llegar a comprender en mayor profundidad el clima de uno de los lugares que conforman el sueño mediterráneo de Nieves.
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