Invitado: Iván López Munuera (Madrid, 1980) es crítico y comisario independiente. Explora la inscripción del arte contemporáneo y de la arquitectura en el contexto crítico de las ciencias sociales y en los estudios de medios. Ha realizado labores de comisariado, documentación y gestión en instituciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ACAX (Agency for Contemporary Art Exchange), Ludwig Museum, CA2M, Matadero Madrid, ARCO, MAPFRE Foundation, Comunidad de Madrid, Fundació Suñol, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o el Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Ha publicado en medios como ‘El País, ‘Arquitectura Viva’, ‘Arte y Parte’, ‘Goya’, ‘Lápiz’, ‘Pasajes de Arquitectura y Crítica’, ‘Pasajes Diseño’ o ‘Urgente’. Actualmente es profesor en IE University y ha sido tutor de ‘Arte Latinoamericano en el Siglo XX’ de la Universidad de

Georgetown. Ha impartido conferencias en numerosos foros académicos, como la Universidad Complutense, MUSAC, la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, HEAD (Haute École d’Art et de Design Genève), la Universidad Europea de Madrid, la Universidad Carlos III, el Ministerio de Cultura, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el CENDEAC o el Instituto Europeo di Design. Entre sus exposiciones como comisario destacan ‘Pop Politics: Activismos a 33 Revoluciones’ (CA2M, 2012-2013), ‘El Ranchito’ (Matadero, 2010-2012), ‘Circuitos MMX’ (Comunidad de Madrid, 2010) o ‘Los Esquizos de Madrid’ (MNCARS, 2009; Fundació Suñol, 2009; CAAC, 2010).

El Plasma Urbanismo del SIDA/WIH

Iván L. Munuera; Universidad de Alicante; 11/02/2017

En el comienzo del taller recibimos una charla introductoria sobre la propagación del SIDA en nueva york y el cómo ha influido tanto en toda una generación desde los años 80, como en todo un país y su cultura. Todo esto describe Iván desde diferentes puntos de visto y todos ellos enfocados a la influencia de este fenómeno vírico tanto en el urbanismo de la ciudad como en la arquitectura que se generaba a partir tanto de la discriminación como del rechazo. Pasando por los clubs, espacios públicos urbanos como los campos de concentración de los que se obtenía el plasma para la transfusión.

En el periódico de new york times aparece una noticia en la que dice que no hace falta preocuparse por la enfermedad vírica de VIH “¿Why Make AIDS Worse Than It Is?”. Aparecen 4 tipos de gente, información que diferencia entre tipos de persona que tengan sida. En esta introducción nos enseña revistas americanas, que analizan el sida y por qué y que es. “la vagina saludable”.

Edd Cock (alcalde de la ciudad de nueva york) decía que el sida no proporciona un riesgo para la ciudad, a pesar de que ese mismo mes aparecía más de 10 000 muertos por la enfermedad. La administración no veía como un problema, ya que no veían a los enfermos de SIDA como ciudadanos estadounidenses.

La enfermedad aparece como un problema realmente cuando se establecen unas cifras como más de la mitad de la población que han muerto por la enfermedad. En esta primera parte observamos las diferentes etapas que suceden en la enfermedad de VIH que duró hasta los finales de los 80, en la que empezaban a ver que más de la mitad de la población que estaba infectada por la enfermedad no eran homosexuales.

Esta visión de homosexuales como víctimas del virus de VIH que aparecen como el cáncer GAY, se describe el sida como un cáncer que se da en hombres jóvenes y que el caso de sida no se da fuera de la sociedad gay. En 1873 el sida aparece en la portada de new york times, que es cuando se empezó a identificar la enfermedad como una epidemia; a raíz de esto, aparecen un montón de publicaciones o artículos en el que se magnifica y se empeora, unificando el efecto de esta enfermedad o la causa, las relaciones entre parejas homosexuales.

HH (hombres homosexuales) comenzó a trascender en los diferentes tipos de arquitectura que debía ser encontrada en las situaciones gay, cuartos oscuros, discotecas o baños públicos de las ciudades. Esto es debido a que la mayoría de los afectados solían mantener encuentros sexuales en los sitios de concurrencia pública. El sida se ha identificado como un área de localización del origen de la epidemia en los lugares de encuentro gay, trascendiendo en la arquitectura. El confinamiento se ha reducido en unos espacios de confinamiento esparcidos por todos estados unidos, esto se resumía en diferentes formas de activismo, generando actas y manifestaciones públicas o en forma de pegatinas, denunciando que el silencio es igual a la muerte. Esto quiere decir que este tipo de confinamiento de los gais los llevaba a la muerte por miedo a hablar, y se propuso el hecho de luchar contra el VIH, por medio de medicamentos que reducía la masa muscular y eso fue un hecho que se inventó la máquina de hacer pectorales, y por ello es que los pectorales de ahora se diferencian de tal modo con los de aquella época.

Housing Works, es una organización que alquilaba casas a gente sin techo o a los que no tenían hogar, que ofrecían alquileres baratos o sin pagar, para gente que estaba desauciada.

Mucha gente dice que las saunas y los lugares públicos como baños deberían de ser cerradas, para erradicar la epidemia. La descripción de Phelman decía que todo el tipo de infraestructuras debería de erradicarse.

El confinamiento proponía un desafío al urbanismo y de esa forma un elemento que habilita espacios, un urbanismo microbiológico y performativo, en el que estas personas generaban sus espacios públicos como los baños públicos, saunas, tuberías…. Todo esto además del consumo de todo tipo de drogas comenzó a generar diferentes espacios públicos. La entrada de personas con VIH estaba prohibida hasta 2010, pero que fue eliminado por Obama. Se sabía ya que la transmisión era por medio de transmisión de fluidos, sangre o embarazo; generando así un urbanismo de “Fluido”.

Todo el tipo de retrovirales (cocteles) fueron prohibidos en la mayoría de países de Latinoamérica, proporcionando así una organización urbanística o trazado urbano por medio de este tipo de consumos.

Se comenzó a utilizar las mascarillas para todo el tipo de médicos, dentistas u otro tipo. Se comenzó a prohibir la entrada de pacientes con sida en hospitales que no tuvieran habitaciones de aislamiento o diferentes locales de dentistas, que ya estaban hartos de que se contagiaran; la mascarilla ayudaba a evitar el contagio, pero siempre había posibilidades de ello.

Se genera una arquitectura de confinamiento biológico, los portadores de VIH, dependiendo de la epidemia, se generaban cámaras de aislamiento bioquímicas, un tipo de arquitectura diferente hasta la época. Este tipo de espacios no estaba permitido la entrada a todos, si no que dependía de que tenía cada uno de los enfermos.

La cura estaba a punto de llegar. Las enfermeras pasaron a ser más importantes que los médicos, ya que SIDA tiene mayor necesidad de cuidados que de cura, por lo que esta profesión aumentó su rango e importancia. Los enfermos de VIH se aislaban entre diferentes grupos de riesgo, como el caso de los haitianos, que son como los negros que no hablaban inglés, se clasificaron como pacientes de alto riesgo para arraigar la enfermedad. Hasta 1880 se ha aprobado un status que denegaba la entrada de cualquier tipo de haitianos. Esto generó que más de 12 000 refugiados intentaban entrar en estados unidos, la entrada se denegó a los que tuvieran algún tipo de conexión con algún enfermo en familia. A estas personas se les puso en campos de concentración, en el que a las mujeres se les esterilizó por medio de químicos. Estos campos de concentración se diseñaron por medio de este tipo de bio – urbanismo, que se organizaba por medio de todo tipo de clases (gais, mujeres).

Aparecieron granjas de plasma en estos campos de concentración, en los que la mayoría donaba sangre que se pagaba a unos 3$ y luego se vendía en Miami por 35$, que este plasma se utilizaba para embarazadas o hemofílicos. Este geopoder restringía lo que se llamaba vida. En este tipo de organizaciones no se hacían ningún tipo de test a la sangre donada sin ningún control, por lo que esta sangre comenzó a infectar a estados unidos. En estos lugares, se consideraba que se utilizaba el voodoo que ellos pensaban que era el SIDA. Este plasma generaba este tipo de urbanismo líquido, que transportaba el plasma por todo el mundo, pero que los cuerpos se quedaban en unos lugares determinados. Al principio el urbanismo se consideraba un urbanismo de cercanía y proximidad; pero por medio de este hecho del comercio de plasma, se contradice con lo anterior, si no que se traduce en un trasvase de las fronteras.

Al comienzo de la epidemia, se generaron puntos de infectados, en el que se localiza una persona considerada como el enfermo 0 u original del foco de la enfermedad, relacionándolo con áfrica, continuando esta política de exclusión y confinamiento.

Estudios específicos demuestran que la enfermedad se originó en torno de Congo Belge, en áfrica, que es por ello que se les da la espalda a los haitianos. Se detectan diferentes cepas de la enfermedad por todo el áfrica. Empiezan llegar colonos hombres sin familia, lo cual extiende la enfermedad, que tratan enfermedades sobre todo exóticas (enfermedad de sueño, …) hasta llegar a las enfermedades venéreas.

Este virus se daba entre monos, pero como se comenzó su consumo como comida, este virus se ha mutado y ha traspasado a ser una enfermedad de humano por medio de mutación. UNESCO envía a doctores para tratar estas enfermedades, generando así el urbanismo fluido, Hospital; escuelas de enfermeras, zonas de confinamiento y etc.

El VIH traza un mapa de coordinación entre la producción, distribución y consumo tanto de las drogas como de los medicamentos en sí.

El confinamiento y estigmatización de la población, su conversión en guetos, que eliminaron esa idea de algo localizado, si no que algo globalizado. Es arquitectura de riesgo biológico, en el que la arquitectura y los riesgos van de la mano. Es una herencia de la época postcolonial.

El sida se ha abordado sobre todo desde el punto de vista de arte y sociología, pero nunca desde la arquitectura. Esta enfermedad nos da un montón de información para generar esos lazos que nos permite generar esos mapas; su trabajo se ceñía en las discotecas de estados unidos; lugares que nos permiten o no entrar, elementos extremadamente diseñados.

Workshop

En el workshop que se ha organizado nos hemos colocado por grupos de 5 personas y cada grupo tenía que analizar y hacer un relatograma sobre como se hacían las cosas de cada uno de los siguientes temas; a nuestro grupo nos ha tocado el cuarto punto, en el que se analizaba el funcionamiento del Centro de Plasmaféresis de Haití – Miami.

• Hospital NYN, Bellevue:
  • Ver el porque se dividen los laboratorios
  • Porque las habitaciones se comparten (por el tema económico)
• Los baños públicos que empiezan a cerrar por el tema de SIDA
• Camp Bulkeley (campo de refugiados) – parece un grupo de tiendas de campaña
• Centro de plasmaferesis de Haití/Miami
• Urbanismo Leopoldville/Kinsasa

Todo este tipo de espacios están supe diseñados:

1. Hospital: entrada
2. Baños: que estén ocultos y tal
3. Bulkeley: tiene que ser invisible para el público, pero para el interior tiene que estar súper bien visualizado
4. Plasmaferesis: igual
5. Urbanismo: esta súper bien pensado, que iba por tipos de poblaciones y luego cambia.

Los elementos que nos hemos propuesto a analizar son los siguientes:

• Cómo se accedía al hospital y cuanta gente se podría ordeñar en un día
• Que elementos utilizaban para ello (camillas, jeringuillas, etc)
• Protocolos de uso
• Maquinas que separan la sangre
• Como son las máquinas de refrigeración (modelos de los años 70)
• Como se movilizaba la sangre, como se llegaba al puerto.
• El análisis de recorrido desde Haití hasta el resto del mundo.

A partir de allí dividirlo a escalas – edificio, laboratorio, trayecto al aeropuerto

El análisis ha quedado de la siguiente forma:

“The Palladium”                                                           03/11/2017

El Viernes tuvimos otra charla, pero en este caso sobre un Cine muy conocido de estados unidos llamado “The Palladium”, en el que se centra realmente en la vida y cambios que ha sufrido este lugar, acentuado con todo este revuelto de VIH, diferentes cambios por arquitectos famosos y demás.

Charla “the palladium: un apocalipsis urbano”

Investigación de una forma mas amplia de la música pop unido a la arquitectura entrado a los años 90. Artur rasel, protagonista que hablaba de los espacios de las discotecas, que eran espacios en los que se desarrollaba la política además de la diversión que ya viene predefinido por unos espacios de ese estilo.

Son eventos que habilitan la posibilidad de leerse en el futuro, que dan cabida a otras mentalidades de la arquitectura.

Ejemplo: el PALLADIUM; una discoteca que se inauguró a finales de los 80 hasta los 90, se desarrollaron nuevas corporeidades y nueva forma de ver la arquitectura; fue creado como un laboratorio, nos contaba que no era tan importante lo que se ha producido en plan espacios, sino que lo que importaba lo que pasaba en su interior, como los bailarines o las concentraciones; por lo que los arquitectos eran esos bailarines. A principios de los años 20 era un cine, que funcionaba como un activador de la arquitectura que hacían que fuera un placer para todo tipo de clases sociales. Tenemos que entender que la arquitectura de los comienzos de los años 20 era importante sobre todo por sus acústicas, con un control muy determinado que se podía regular. Los cines son un laboratorio para estos lugares debido a este control del volumen.

Después de la primera guerra mundial, en nuevo york comienzan a desaparecer estos lugares y aparecen unos lugares desiertos que daban pie a la aparición de nuevos lugares de laboratorios. Los cines se convierten en salas de exposiciones para todo tipo de música y conciertos de todo tipo.

En 1976 es rebautizado como el PALLADIUM, lugar en el que los artistas comienzan a dar charlas y reuniones con sus espectadores. Es un espacio totalmente reutilizado, dejando los espacios a la vista. El paladium comienza a tener una vida con esas publicaciones en la fachada, que no explica del todo lo que pasaba en el edificio con la función de antes.

Se pretende con pocas intervenciones convertir este edificio en una discoteca con un cordón de terciopelo que generaba una gran expectación que creaba esas situaciones de morbo, desafiando la vista de aquella época. La música disco va ser producida sobre todo por autores latinos y afroamericanos, en esta música no es tan importante el directo como los efectos de postproducción que se le hacen, por ello estos espacios en los que se reproduce esta música ya pos producida.

Cuando se hace el estudio 54, se agrupan figuras muy conocidas con otras desconocidas, se producen vínculos que se consideran agentes no humanos que promueven el consumo de drogas que aumentaba la temperatura corporal, generando de esa forma unas temperaturas extremas que se desarrollaba por medio de las diferentes morales como los cuartos oscuros y tal. las revistas publican todas estas imágenes que dan lugar a la especulación pública; no había aire acondicionado porque no funcionaba ya que los conductos estaban rellenos de 1 millón de dólares fruto de evasión de impuestos.

Se decide hacer un nuevo club que querían que fuera una mezcla entre el arte, música y la arquitectura. Isazaki crea un proyecto que es clave para su carrera. Ésta arquitecta se basa en la arquitectura metabolista japonesa que se inspira en la tecnología y se divide en las diferentes unidades de vivienda.

Esa relación con las tecnologías isozaki lo desarrolla por medio de intervenciones en vez del derribo del edificio, por medio de plataformas y escaleras, todo ello recubierto por sistemas lumínicos.

Utiliza la luz, el sonido y el humo y todo tipo de efectos para ponerlos en escena. A mediados de años 70 como natalini [superstudio] los importantes arquitectos van a ver el “electric Circus”, que es un escenario con tela estirada en la que se va proyectando diferentes elementos que generan una escenografía impresionante.

Se generan nuevos tipos de música por medio de sonidos (scratches y demás) que luego se utilizan en el hip-hop y demás.

Como una opinión así generalizada del workshop, Iván es un señor muy inteligente y la forma de explicar la información que ha recabado durante todos estos años en EEUU es impresionante, ya que te hace involucrarte en la historia de estos lugares mencionados anteriormente y con ello permite que entiendas lo complejo que es todo este sistema.

En cuanto al aprendizaje que he tenido en este workshop es entender los diferentes elementos que influyen en la arquitectura de aquellas épocas y que en la actualidad no se le hace una visión por su política de marginación.

De este trabajo que hemos realizado no me ha servido mucha cosa para mi proyecto, ya que son esferas, épocas y formas de ver y vivir la vida diferentes, con lo cual no me ha servido de mucho más que recoger de forma escandalosa la información que se podría encontrar en el internet para el análisis y volcarlo para explicar el proceso a grandes rasgos.

Tal y como se ha contado en clase, la misma semana del taller de curro, teníamos que realizar una visita al entorno en el que trabajamos y realizar un taburete cada uno con la pieza que haya pagado. Entonces, en mi caso, fui a un local comercial que estaba en primeras fases de la obra para realizar este testeo.

La pieza la realicé en mi casa con los materiales que había recolectado en el entorno y luego fui a este entorno para hacer la prueba de su funcionamiento; tal y como se puede observar en las siguientes imágenes y relatograma del entorno realizado.

Es una pieza sencilla que está diseñada para cumplir su función de taburete, que consiste de un asiento y 3 patas, todos estos elementos adheridos / anclados a la pieza de Curro Claret por medio de sujeciones mecánicas y reforzado, con el fin de multiplicar la capacidad portante de este elemento.

En primer lugar, de lo aprendido en el taller de Curro Claret y la dinámica que he aprendido con los compañeros a la hora de construcción de la pieza desarrollada en clase y que está perfectamente explicada en la publicación anterior.

El primer paso realizado es el acopio y explicación de material utilizado para la construcción del taburete que se ha podido visualizar en las imágenes de la parte superior:

Tal y como se puede observar en la imagen de la parte superior, se ha utilizado una tabla de DM con dimensiones de 1500x600x10 mm para la creación de sillín, cuyas dimensiones son las mínimas para el apoyo del culo, pero también, para no cometer el mismo error que en el taller, generando un asiento ligero que no sobrecargue la estructura. De esta forma, consiguiendo un taburete que cumpla su función de manera sencilla y eficaz.

El siguiente paso a proceder es la creación de las patas. Éstas se componen por un alma  de listón de madera con las dimensiones de sección rectangular de 30×15 mm y de 200 cm de longitud; con un elemento de estos me ha bastado para la creación de totalidad del taburete. El envoltorio de las patas se realiza por medio de un montante para tabiques autoportantes con las medidas de 46x30x1200 mm; cuya función además de estética es de proporcionar unas sujeciones por medio de tornillos para el refuerzo realizado con lana azul, tal y como se puede observar en la imagen inferior. El encuentro con el pavimento se realiza por medio de apoyo de este listón que sobresale del montante unos milímetros con el fin de evitar el dañado de superficies como la madera de un suelo flotante o similar.

Con este ejercicio de labor que consistía en ir al entorno en el que se debería ubicar el objeto, no me ha ayudado en absoluto para tomar decisiones o cambios significativos en el proyecto; durante el proceso en el que se ha realizado no he obtenido ningún tipo de ayuda para la evolución del proyecto. Lo único es que el taburete me servirá para dejarlo en el balcón como un mobiliario para cuando haya visitas o eventos parecidos en el que vayamos escasos de mobiliario. La pieza es un elemento super chulo, en cuanto al diseño y la facilidad de ensamblar elementos inconexos por sí. También podríamos pensar que en vez de la pieza se podrían utilizar elementos como angulares de acero, pero tengo comprobado que la eficacia y resistencia de estos pequeños elementos es muy inferior a la pieza de Curro Claret.

Taller con Curro Claret y “la pieza” T300. Estudió diseño industrial en Madrid.

El en taller con Curro Calaret en la primera parte de clase, nos ha explicado su recorrido histórico hasta llegar a la situación en la que se encuentra. Es una persona que ha estudiado ingeniería de diseño industrial y se graduó en el año 2010.

Conforme acababa, el ministerio de cultura anunció un concurso de un proyecto para personas de exclusión social, es decir, personas que perdieron su hogar, vivían en pobreza o son de clase social intrometida, que se relacionan sólo con los de su círculo.

Entonces, en lo que ha procedido es en analizar el cómo viven esas personas, analizando sus entornos de lo que les rodea y demás. La conclusión que decidió tomar y la que más convenía en ese caso de personas con el tema de exclusión social es el hecho de hacerles abstraerse de la realidad y esa exclusión social que sufren por medio de actividades manuales que les hiciera que se sintiesen formar parte de algo de utilidad. Estas personas pobres sin cualificación o estudios, hacerles integrarse con sus vecinos apartándolos de los pensamientos de que hacer para conseguir dinero y de más por medio de actividades que les uniera de forma considerable al entorno por medio de recolección de recursos o basuras que se encontrasen en sus entornos.

Esa es la forma en la que apareció la pieza, que une a diferentes clases sociales para abstraerles de la realidad tan dura que están pasando en sus casas. Realizando un trabajo social que les ayude a esas personas.

 La actividad que realizan consiste, tal y como veremos en la práctica que realizamos en clase, de juntar piezas que de primeras no pintan nada juntas para generar un taburete con deshechos tanto de la calle como de la casa, generando de esa forma los “Frankenstein”.

Estos trabajos que realiza curro le permiten aproximarse al análisis del comportamiento de la pieza generada para unificar estos elementos por medio de tornillos y sujeciones mecánicas. La pieza es una chapa de forma triangular, en la que las 3 de sus esquinas están plegadas en un ángulo de 15º con respecto a la perpendicular al plano perpendicular a la horizontal. El material que se utiliza en su ejecución es acero de 2 – 3 mm de espesor. El hecho de tener 3 esquinas dobladas, nos permite el atornillar elementos verticales generando 3 patas o puntos de apoyo, con lo cual obtenemos un elemento de apoyo que nunca va a cojear por las diferencias de longitudes de piezas, a diferencia si fueran 4 patas.

Lo principal de los elementos que se generan por medio de la pieza y elementos de deshecho que se encuentran, su función principal es conseguir que funcione y funcione bien para la vida día a día.

Lo que ha descubierto curro es que las personas que hacían estos trabajos, es que lo que querían son muebles normales y corrientes tal y como se venden en las tiendas y etc., tener muebles como los demás. Claro, en este punto se genera el lugar en el que se distancia el propósito de la pieza y lo que desea el individuo que la construye.

En la siguiente parte de la clase nos hemos centrado en la adición de elementos a esta pieza para crear taburetes. El ejercicio consistía en juntarse por equipos de 4 a 5 personas; en nuestro caso éramos 4, tal y como se puede observar en la siguiente fotografía:

El primer paso para el éxito, la eficacia y la rapidez de montaje, ya que solamente disponíamos de 3 horas para crear este artefacto en el que fuera posible sentarnos con los materiales que hayamos encontrado cada uno en el entorno de cada uno, él proceso consistía en reunir y juntar todos los elementos encima de la mesa. Se había debatido pacíficamente en grupo para llegar a un cosenso de qué elementos vamos a utilizar con carácter estructural, cuáles de utilizaríamos para el apoyo anal y cuáles de ellos para realizar las diferentes uniones de estos objetos. En la siguiente fotografía se puede observar el acopio de todo el material reunido por todos los participantes del grupo:

Después de las diferentes decisiones tomadas al considerar todo el material disponible, hemos procedido a la unión y la elaboración de la pieza. La ejecución material se ha desarrollado en diferentes etapas del proceso, siempre consensuada en equipo y según el material disponible. Se ha ido elaborando la “adición” y “sustracción” del material para llegar a un objeto totalmente utilizable y estéticamente sugerente. El proceso es el siguiente:

1.    En primer lugar, comenzamos con el material para los elementos de las patas. Las primeras dos patas, que se pueden apreciar en la fotografía, se elaboran uniendo 2 materiales, por un lado, el montante de aluminio (de mi entorno) con una lama de madera (del entorno de Javier). El anclaje con el que se realiza la sujeción de las 2 patas, que se observan en la fotografía de la parte inferior, es por medio de tornillos tirafondo de diámetro de 4mm y longitud de 15mm; el anclaje es lo suficiente mente estable como para aguantar a una persona de hasta 115 kg, ya que contamos con listoncitos de madera sana con una sección de 43mm x 35mm.

2.    En segundo lugar, utilizamos para la tercera pata un amortiguador de coche, tal y como se observa en la imagen inferior, con un recorrido de amortiguación de 160 mm; pero al tener en cuenta que su estado de trabajo se reduce a unas cargas de entre 800 y 1300 kg, con el peso de una persona media cualquiera, no habrá movimiento posible. Esta pata, con un peso considerablemente superior que las dos patas explicadas en el apartado anterior, tiene un riesgo especial en dañar el suelo en el que se encuentre, por lo que abastecemos el punto de encuentro con el suelo por medio de una lámina protectora de espuma. El encuentro con la pieza se realiza por medio de unión con otro material capaz de poder ser unido a la pieza y sin hacerle ingún tipo de daños físicos; por lo que el encuentro se resuelve por medio de un taco de madera que se une al amortiguador por medio de unas bridas que se pasan por los agujeros realizados en la madera y por los del amortiguador que ya tenía estos agujeros, ya que es una pieza de ensamblaje de un coche. Esta madera unida y nivelada con el resto de patas, se une a la pieza, de la misma manera que las demás patas, por medio de práctica de atornillado con 2 tornillos tirafondos de 4mm de diámetro y 15 mm de longitud.

3.    En tercer lugar, está el asiento, para proporcionar el mayor confort que se pueda, teníamos una pieza de disco de freno que se ha utilizado como un asiento perfecto, ya que es un elemento plano que además contiene agujeros de serie para el montaje en el vehículo. Estos agujeros nos coinciden de tal manera que los pudimos conectar por medio de bridas a la pieza que ya estaba fijada a las patas, consiguiendo de esa forma un asiento ergonómico. Pero como tiene discontinuidades superficiales, le añadimos una tapa para las llantas antiguas, que ya definitivamente nos proporcionó el confort buscado y de esa forma un mejor apoyo para la zona de las nalgas. Todas estas piezas fueron interconectadas por medio de bridas de plástico de 25 cm de longitud, que nos proporcionó de mejor forma la unión. Estas uniones fueron lo suficientemente fuertes como para aguantar un peso de entre 80 y 110 kg.

4.    En el cuarto y último paso, se ha añadido un reposapiés que se encuentra en la parte interior entre las 3 patas, fijadas a éstas. El reposapiés es para proporcionar un descanso y dotar el taburete de diferentes posiciones de los pies, consiguiendo así el confort buscado por cualquier usuario que tenga este taburete. El reposapiés tiene la función también de rigidizador entre las 3 patas, de esa forma, resistir mayores cargas de las que está diseñado. Esto se debe al peso excesivo de todos los componentes del taburete, que si no se hubiera rigidizado, el peso total de éste destrozaría la pieza y haría que las patas se abrieran, ya que la lámina de contacto con el pavimento reduce el rozamiento con el terreno de forma considerable, produciendo de esa forma el deslizamiento hacia fuera de las patas y por tanto la desestabilización del conjunto de la pieza. A la pieza de reposapiés se le añade un último elemento que nos da la opción de cambio de posición de los pies a una altura diferente. Esta pieza que se le añade es la unión entre la cámara de combustión de los pistones de un motor de combustión interna y el catalizador, pieza que ya habíamos deshecho del proceso de diseño debido al peso excesivo que añade al conjunto.

Por último y para finalizar, lo que he aprendido en el taller de curro, es la búsqueda de aquellos elementos que nos permiten la unión entre ellos para generar mobiliario. En mi opinión, no tiene mucho que ver con el proyecto que estoy desarrollando, ya que yo lo estoy planteando desde el punto de vista conceptual en el tema de espacios no mobiliario. Mi primera “misión” en el desarrollo del proyecto, es insertar la clave de los espacios y los módulos, en vez de desarrollar ya la parte de cooperación de los ecosistemas que habrá en un futuro en esos espacios, desde el punto de vista más sociológico y social.

Me ha servido mucho para reflexionar, sobre todo la última parte; que yo he extraído principalmente, que lo importante son los acabados y los participantes en un proyecto, más que lo que ve una persona externa a éste, ya que es imposible explicarle la involucración y la dedicación de las personas que hayan realizado ese lugar.

El día lunes 23_10_2017 realicé la visita al entorno de trabajo con el fin de averiguar y descubrir la realidad que ahí sucede y obtener un punto de partida para afrontar la situación. A continuación se puede observar  el  relatograma realizado in situ durante la visita.

En primer lugar, para la explicación de mi proyecto comienzo desde una escala de detalle. Veo pertinente puntualizar y recalcar que el tema de mi Trabajo Final de Master se centra en gestión de espacios modulables, que se adaptan a las situaciones de todo tipo, desde el punto de vista de percepción tanto visual como háptica. Se trata de envolventes de estos espacios interiores que, por medio de dispositivos mecánicos de estructuras desplegables de tijera, logre esculpir los espacios interiores de estos módulos y por tanto modificar en función de las necesidades, la evocación del recorrido / dinamismo espacial o simplemente la estaticidad del espacio.

En resumen, a escala del usuario, el resultado que se busca en este proyecto es generar y estudiar espacios tanto interiores como exteriores aplicados a comercio y marketing de las tiendas de los centros comerciales. El fin de este sistema es que tiene que ser capaz de proporcional la aplicación en locales comerciales existentes de la misma manera.

Tal y como se ha comentado, el ENTORNO de este TFM es el centro comercial en general y los locales de ventas de prendas de vestir o artículos de hogar u otra naturaleza al por menor.

En clase hablé de aplicar estos espacios por medio de módulos, lo cual quiere decir que, a una escala mayor, se va a desarrollar un tipo de módulo que permita la existencia y ampliación de estos espacios (en nueva planta). Esto quiere decir que mi TFM no estará centrado solamente en tecnicismos del funcionamiento del sistema, sino que se elaborará a una mayor escala con el fin de satisfacer las necesidades de un ámbito urbano y de usuario determinados.

La idea que me estaba carcomiendo por el interior, ronda entorno al proceso de generar por medio de los módulos anteriormente comentados un complejo centro comercial, darle coherencia y funcionalidad, analizando necesidades y obligaciones de un ecosistema de tal magnitud. Ver cómo funciona y cuál es la manera más eficiente geométricamente para llevar a cabo esta función.

En esta primera parte es necesario realizar un análisis exhaustivo de diferentes centros comerciales, encontrar y analizar el organismo de este ser viviente. Las partes que lo componen y la forma en la que se comunican. Este paso es necesario para conseguir la supervivencia de este gigante.

En estos instantes, el PROYECTO ME PIDE un mayor detallado del sistema de funcionamiento de la envolvente, el sistema de movimiento y deformación de la piel que envuelve la estructura portante, como el material de ésta piel. Este paso es crucial y necesario para la definición del proyecto, debido a que todos los módulos responden con el módulo y cada módulo tiene incorporada el sistema de pieles móviles.

Conociendo ya el entorno de actuación; el lunes fui a una tienda en el centro comercial la Zenia, el proyecto de este local comercial fue realizado por mí, con lo cual, aprovechando la necesidad de ir a una obra de cualquier tienda, realicé la visita. Los operarios y el director de obra, con mucha amabilidad me cedieron un montante de 46mm y una plancha de yeso laminado de 1196 x 595 x15 mm. Este material, desde mi punto de vista es más que suficiente para la clase práctica con Curro Claret y el montaje de mobiliario con los elementos de mi ámbito de proyecto.

A continuación se pueden observar algunas de las fotografías que se realizaron durante la visita; se puede observar el espacio de trabajo en el que se encuentran y el tipo de herramientas que utilizan conforme se está colocando el falso techo del local comercial.

El material de deshecho que había en ese momento de la obra, era irreal su uso debido a la naturaleza de estos deshechos; tanto por su consistencia, como por el tamaño de éstas, reducido. Por lo tanto, ya que en la obra se pide normalmente de un 5 al 10 % de material en exceso, dependiendo de la naturaleza de éste, para garantizar que haya suficiente material en buen estado para finalizar la obra. Gracias a ello fueron capaces de cederme una parte de éste. Una vez coloqué el material en el coche, fui a dialogar con el director de obra en torno al tema de lo que quiero hacer en el TFM y éste me explicó lo que sabía sobre la organización de las tiendas y demás cosas sobre el centro comercial que debiera conocer para lograr un proyecto coherente.

Fue una experiencia saciadora en cuanto al tema de la inquietud sobre el que hacer y cómo llevarlo a cabo.

La siguiente charla titulada “FERNANDO HIGUERAS: CASAS PARA LOS ARTISTAS]” realizada por el arquitecto Santiago Varela Botella. Ubicación MACA (Museo de Arte Contemporáneo de Alicante)

Esta charla de la asignatura de Diseño Avanzado de Estructuras I, impartida por el arquitecto Santiago Varela Botella en el museo MACA en Alicante. El tema de la exposición se centraba en torno al arquitecto Fernando Higueras.

Comenzada la exposición, Santiago procedió con la introducción al contexto arquitectónico en el que se encontraba F. Higueras y las principales influencias que intervinieron en la arquitectura realizada por Fernando.

Entre las figuras más destacadas está Le Corbusier con la corriente arquitectónica del Nuevo Brutalismo, que entona el uso del material en su forma bruta, cuyo mayor representante es el hormigón visto o xerografiado con la beta de la madera utilizada en el encofrado. Esta corriente se puso muy de moda, ya que denotaba los materiales reales con los que está hecho un edificio; “el edificio declara tal y como es en realidad”, mostrando la desnudez del edificio.

De Le Corbusier como se ha comentado en el párrafo anterior, empapó a Fernando con la construcción brutalista, específicamente con el hormigón en bruto. Le Corbusier además era una figura de gran influencia debido a la gran cantidad de teorías escritas de todo tipo; principalmente por la versatilidad o la gran cantidad de herramientas y facultades que poseía; era escultor, se dedicaba a la pintura, en sus obras se denotaba y por primera vez, le daba un uso a la cubierta (la ocupación de la cima).

Fernando Higueras estudió y se graduó en la escuela de arquitectura de Madrid; tenía una vida de lo más agitada, por parte de la época en la que vivía, la época franquista. Era músico y pintor, lo cual le situó en un círculo de amistades / clientes de relación artística. Comenzó su carrera con arquitectura turística y algunas obras en Montecarlo. En 1960 comienza a proyectar viviendas para artistas, en particular de los pintores. Hace un uso predominante de maquetas, como herramientas para la proyección de estos edificios unifamiliares, lo cual le otorgaba la flexibilidad de generar y proponer diferentes soluciones, ya que cada maqueta era diferente, adquiriendo de esa forma la flexibilidad.

Algunas de sus obras más conocidas son las siguientes:

–        Casa Cesar Manrique: interés en la trama de la estructura (vertical / horizontal)

–        Casa Lucio Muñoz: para artistas de tendencias abstractas

–        Casa Nuria Espert y Armando Moreno: artistas de interpretación

–        Casa de Andrés Segobia: éste era su maestro de violonchelo, destaca en la cubierta de aleros muy pronunciados.

–        Casa Santonja: se constituye en torno a un jardín central

–        Casa Pablo Serrano y Juana Francés: con una planta en forma de cruz griega con espacio central diáfano de gran altura.

En todas estas obras, se puede destacar el interés por la estructura, el programa de las viviendas, que respondían de forma condicionada a la estructura. Estas estructuras, se daba a conocer con los gigantescos voladizos que se revelaban tanto por el exterior como por el interior de las viviendas.

Por último, nos explicó la última y más grande de sus obras que es la Iglesia de Onil que comprende la iluminación perimetral. La planta es de tipo cuadrado, organizada de la misma forma que la casa de Pablo Serrano que desgraciadamente no fue construida. En el proyecto colaboró con Eusebio Sempere; en el proyecto hace uso principal de la estructura, por medio de 12 pórticos de hormigón armado con apoyo de cables tensores.

En resumen, hace uso de una planta sencilla y ordenada que se denota en los planos, pero luego, cuando se ve el levantamiento, unido a la estructura que complejiza el conjunto de forma radical, generando un espacio interior exuberante.

Posteriormente, después de la charla, la directora de MACA ha realizado un tour por todo el museo, haciendo hincapié en las necesidades que tienen en el museo y las que se han cumplido por parte de los arquitectos y las que no. Nos explicó la innumerable cantidad de las obras que tienen expuestas y los diferentes espacios que se encuentran en el museo.

En mi opinión, fue muy instructivo, el hecho de salir de la universidad para ver obras in situ y poder opinar con los usuarios que realmente disfrutan y se pasan la vida en estos edificios.

Spuybroek, L. (2016). The Sympathy of Things: Ruskin and the Ecology of Design (2nd ed.). London; New York: Bloomsbury Academic. PÁGINAS 169-186 (en lel pdf las páginas están cambiadas, es la sección “Ruskin: the parasitical sublime” 2ª parte).

Cosas sublimes

Nos introduce en los diferentes pensamientos entre Heidegger y Ruskin, entre la crítica de la tecnología y la estética de las cosas. La importancia que le da Heidegger a las cosas, que intenta liberarlas de la interferencia humana. Nos da un ejemplo que la naturaleza de las cosas es el tema por excelencia de los artistas, ejemplificando con las pinturas de Vincent van Gogh, quien describe la vida de unos zapatos, la huella que se les denota en cuanto al uso que se les dio. El camino que toman los artistas entre el sentimiento y la simpatía, generando ese objeto de encuentro entre el tiempo y la superficie. Heidegger escoge el ejemplo de los zapatos no solo por lo pintoresco, si no por lo que evoca. Al analizar la vida de estos zapatos, llega a confundir lo pintoresco con lo sublime, ya que las cosas no están abiertas al mundo, si no a las relaciones con otras cosas. Cada vez que el discurso cambia al diseño de un mundo o medio ambiente, nos convertimos automáticamente en parte de lo sublime. Siguiendo con el símil de los zapatos, Heidegger acentúa que estos zapatos, sin unos pies no sirven de nada, cuya función es proteger de la tormenta, barro.

En cambio, Ruskin, pone el ejemplo de la cabaña, como un parásito que ya no es de carácter nómada, sino que es un contrapeso o forma de sobrellevar. El pintoresco de Ruskin no reside en lo sublime, si no en construir las vidas y hogares, su importancia para el humano. Para Ruskin, el cielo y la tierra no se oponen, si no que generan esa línea de diseño y estructuración por medio de los elementos naturales, como el agua y el viento. Es esa línea que está entre el exterior y los hogares, generando la tecnología que divide los mundos del hogar y la naturaleza.

Las principales diferencias entre estos dos pensadores es que Heidegger se centra en algunas de las etapas, dejando el resto, como algo inferior a los “ingenieros o constructores”; mientras que Ruskin, les pone un cuidado extraordinario a todas las etapas del proceso. El cuidado de Ruskin como una forma de diseño y mantenimiento.

Ambos pensadores prescinden de la importancia de las herramientas y los ejemplos que dedican, sino que lo realmente interesante e importante es lo que representan, como el ejemplo de la jarra, de esculpir con arcilla una jarra o el vacío, la ausencia de la materia. La construcción tiene que ver con la presencia y la necesidad de conservación material, mientras que la arquitectura tiene que ver con lo que no tiene ningún uso en absoluto.

Los sublime se transforma en el concepto modernista del espacio para Heidegger, demasiado grande, vistoso y absoluto.

Ruskin cree que el diseño es un velo del resultado, una mera construcción, mientras que Heidegger lo ve como un desvelamiento, una construcción del vacío.

El diseño a través de la fabricación, coches y demás, se diseña por medio de dibujo, prototipos y rascado de los volúmenes resultantes. Este tipo de fabricación es más bien artesanal aplicado tanto en los coches como en las latas de refrescos.

El comodín tecnológico

En este apartado difiere el modo de visión, por medio de objetos contemporáneos de que presentan rasgos tenológicamente pintorescos, actualizando de mantera de posición de Ruskin. Nos denota el ejemplo de pantalón vaquero que se desgastan conforme se van usando, sufriendo un cambio mecánico de un material limpio a uno viejo y desgastado; pero también existen pantalones que vienen fabricados con desgaste. Este proceso sufre al colocar estos pantalones limpios en grandes tambores de agua y piedra. Estos pantalones normalmente valen el doble del precio de pantalones limpios y nuevos.

Ruskin, como bien hemos dicho, defiende la combinación entre el diseño y la fabricación. Por tanto, el proceso de lavado de los pantalones con la piedra pómez, no consiste en debilitar a los pantalones, si no que en aparentar la antigüedad. El reino de las máquinas, en el que todo es posible, sin tomar las premisas planteadas por ambos autores anteriores, con la total libertad de desarrollar. Las máquinas y la industrialización hacen el mismo papel que la naturaleza en los tiempos anteriores, pues encontramos en ella la libertad y el salvajismo que necesitamos.

Todo objeto tecnológico tiene la capacidad de hacernos vulnerables ante el mundo externo, el internet, los móviles y demás servicios que son indispensables en la actualidad para cada uno de los individuos que establecen todos los sustratos sociales. La continua evolución y el desarrollo incontrolable tienen la cara oculta de destrucción de todo lo que es personal.

Las máquinas están destinadas a liberar al hombre de producción en pequeñas cantidades, ya que la máquina genera producción de monotonía en grandísimas cantidades en su comparación con el hombre.

La pregunta clave es ¿podemos dejar la naturaleza, como un elemento de destino para la producción de recursos, parar la industria y dejar que la naturaleza produzca estos recursos que necesitamos para subsistir?

Por último, se describe una situación idílica, en la que cada usuario se podría personalizar todo lo que se produce, lo cual quiere decir que cada lata de Coca-Cola sería diferente a las demás, por tanto, el sabor de la Coca-Cola también y que este proceso seguiría de la misma forma.

En definitiva, y para resumir, es un texto bastante complejo en el que residen ideas claves, la PRODUCCIÓN, en primer lugar se explican por medio de 2 filósofos que tienen puntos de mira radicalmente diferentes según los procesos que elaboran y los que valoran en una producción de un producto. En la actualidad, la producción ha avanzado hasta unos límites estelares en los que ni nos podemos imaginar hasta donde podemos llegar. La personalización y el deleite personal de la identidad propia hoy en día están en auge y es lo que se valoriza en mayor medida en los productos que se adquieren. En mi caso, puedo relacionar esto con el bolso o la libreta que me hice, no hay ni habrá una igual ni por asomo, ya que cumplen mis funciones básicas, para las que diseñé estos productos.

La semana 2 del curso de máster en arquitectura, el día 20_10_2017, se ha realizado un WORKSHOP dirigido por Carla Boserman, Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y Máster en Comunicación, Cultura y Ciudadanía DIGITALES por la Universidad Rey Juan Carlos I de Madrid.

El siguiente workshop consistía en aprender una nueva técnica de diseño y análisis de las situaciones por medio de “RELATOGRAMA”, el cual consiste en generar dibujos e información escrita en una libreta sobre esas situaciones en las que se encuentra el ilustrador que lo realiza.

El taller estaba comprendido en 3 partes claramente diferenciadas:

En la primera parte Carla nos ha explicado que los “relatogramas” son documentos que comprenden tanto el dibujo como el texto, compartiendo y complementándose uno al otro.

Nos ha explicado su trayectoria personal, desde que comenzó a realizar los relatos policíacos, cómo se interesó en las pintadas de 15M en las plazas públicas; el proceso que ha seguido hasta llegar a elaborar un estilo propio que ha revolucionado el mundo de la información, ya que estos “relatogramas” eran totalmente bien recibidos por todo el mundo. Con la llegada de las nuevas comunicaciones como el internet y demás, como las redes sociales, los medios por medio de los cuales pudo compartir estos relatogramas y generar una difusión a nivel mundial.

La comparativa entre la foto y el relatograma es que además de congelar un momento, se puede hacer el hincapié en los datos más relevantes que uno crea que han sucedido en esa “reunión”,” congreso” o cocina. En este espacio de trabajo, totalmente personal, uno decide las cosas que resaltar o lo que sobra y no ponerlo o restarle la importancia. En cambio, en la fotografía se le da la misma importancia a todos los elementos que salen en el plano fotografiado, con lo cual, siempre se obtiene el mismo nivel de información del conjunto. Pero con el “Relatograma” se consigue expresar la propia situación en siluetas, que describen lo que sucedía en ese momento; posteriormente añadir información relevante que se haya dicho o simplemente dar importancia a los detalles.

Este proceso de diseño, siempre será algo más personal ya que cada uno somos de una forma diferentes a los demás y utilizamos diferentes estilos gráficos o simplemente resaltaríamos una información diferente entre todos nosotros.

La difusión y elaboración que genera Clara, tiene 6 pasos esenciales:

1. Preparación del kit: preparar todos los materiales esenciales y necesarios para poder generar el “relatograma”, cada uno utiliza sus propias herramientas, ya que es un proceso totalmente personal. Bolígrafo, libreta, gafas, bolígrafo…etc.
2. En segundo lugar, tompar parte en la situación que se está proyectando, con el fin de entender a la perfección la situación que se está dando y poder de esa forma plasmarla con la mayor veracidad posible.
3. El tercer paso es escanear y digitalizar ese material generado.
4. Lo siguiente que se hace es colorear y hacer un collage por medio de los programas informáticos de edición, sacando el máximo partido de lo generado y darle sentido, si carece de él en la realidad.
5. El penúltimo paso es subir el material generado a las redes sociales y etiquetar a la gente y los participantes relacionados a la situación en la que se ha generado todo el relatograma.
6. El último paso es convocar, ver como el material generado convoca estas relaciones a nivel mundial, que ya es un proceso infinito, en el que esta información viaja e influye a personas por todo el mundo.

Clara nos explica varios de los procesos de relatogramas sobre los que ella misma trabajaba, sola o con compañeros; de los que por mi parte destaca el de las comidas de Barceloneta, el “cuina-lab” en el que se entrevista a señoras mayores de Barceloneta que cocinan. Mientras tanto se cocina, generar estos relatogramas que describen la situación de la cocina en estos sitios. El siguiente proyecto, interesante mas bien por el impacto social es el de Skate Park de Barcelona, en el que se había trabajado junto al colectivo de los skaters, que ayudaban en la construcción; cuando se haya finalizado el trabajo de relatogramas, el ayuntamiento había impreso los trabajos y los colgó en el mural, con el fin de difundir en el pueblo, lo que se iba a hacer. La difusión de estos dibujos que explicaban el proceso y lo que se hacía es una forma más directa que sin texto lo puedas entender, y es por ello que tiene tanta difusión e impacto.

El punto de mayor interés desde mi punto de visión es el hecho de cambio de trabajo que realiza Clara Boserman de su tésis, ya que como ella misma nos contaba, mientras hacía esta tésis, los profesores le animaron a que hiciese esta tésis por medio de los “relatogramas”. Estos es un hecho que podemos relacionar con el “cambio educativo” que plantea Enrique Nieto en su tésis doctoral, ya que realiza un cambio de lo puramente “escrito”, dado en lo tradicional, a un objeto radicalmente diferente que tiene que ver con lo puramente visual y diagramático. Es la radicalidad y la influencia que se genera en estos cambios, tal y como nos describe Enrique, que el cambio de la educación tal y como el cambio de la sociedad impacta en los resultados que se obtienen, se adapta a la sociedad venidera a unas normas que exigen la adaptación al cambio.

Una vez comenzada la primera práctica, ésta consistía en ponernos por grupos de 5 personas, cada uno de los que estaban en el grupo, tenía el objeto en la mesa. Cada uno tenía que hablar de lo que tenía pensado hacer en el proyecto; esto quiere decir que con la maqueta que tenía delante hablaba de lo que representaba / lo que era y los demás hacían dibujos sobre el proyecto mientras que el miembro que hablaba

Tal y como he comentado anteriormente, mientras hablaba, los otros componenetes del grupo hacían relatogramas sobre lo que iba diciendo el que presentaba su proyecto; es decir, dibujaban tanto el proyecto como lo que le vendría bien, una propuesta lógica y eficaz para ayudarle a progresar en ese proyecto.

Los siguientes relatogramas son los que me hicieron los compañeros durante la exposición y los que me ayudaron de forma impactante no tanto en cambiar todo el proyecto, si no que en matizar detalles que a mí se me habían pasado por alto.

Por otro lado, cada uno del grupo, tenia que coger otro proyecto y realizar una lámina en A3 que explicase lo a lo que está diseñado el proyecto y cómo va avanzar; esto fue un gesto muy bueno, ya que a la hora de explicar y progresar en el proyecto, el proyecto avanzará de forma radical y con mayor inercia. En mi caso, escogí la maqueta de Ana Sanchís Signes, quien tenía una maqueta basada en las estructuras de edificios en altura y una estructura de tensegridad y yo le realicé el siguiente dibujo:

Mientras que Ana me propuso el siguiente dibujo, que unificaba tanto lo que expliqué yo como lo que ella pensaba pertinente para la expansión de mi proyecto. Hizo hincapié, lo cual me gustó mucho, sobre los módulos, como organizarlos y las preguntas que me debería de hacer a la hora de proyectar con ellos.

Al terminar el turno de las exposiciones de todos los componentes del grupo, hemos discutido sobre todos los proyectos que teníamos en la mesa y al final, Ana me hizo un dibujo que es el siguiente:

Mientras todos los grupos realizaban la práctica, Clara Boserman iba dibujando los proyectos de toda la clase, y de esa forma averiguaba si los objetos expresaban lo que en realidad éstos deberían de transmitir, teniendo en cuenta tanto los materiales, la forma, la escala y el conjunto de estas características.

Para finalizar la práctica, clara realizó una explicación de lo que le habían transmitido todos los elementos, según lo que dibujó tal y como se puede observar en la fotografía inferior.

La mayoría de los objetos coincidían con lo que había pensado el autor de ellos, pero había un número considerable que ha ido por lo figurativo para expresar la idea de su proyecto, lo cual no era el objetivo del ejercicio del objeto.

La expicación que dio de mi proyecto, no fue del todo acertado, ya que no se percató en que los módulos estaban realizados por medio de elementos móviles que generan y modifican los espacios. Por lo que ella sí que acertó en la modulación y la construcción por medio de estos bloques. El dibujo realizado por ella es el siguiente:

La práctica siguiente consistía en juntarnos toda la clase con el fin de familiarizarnos con los proyectos de los demás y hablar sobre ellos, tanto en relación con nuestros proyectos, como para ayudar y proponer ideas o ejemplos que les ayuden a prosperar o seguir con los proyectos en el futuro.

Durante este rato de dialogo, cada uno de los compañeros teníamos 5 cartas, que permitían comentar, contraatacar con nuestro proyecto, acallar al que habla porque se extiende demasiado. Las siguientes cartas fueron dibujadas por Clara; se pueden observar en la siguiente imagen:

Como resumen y la conclusión de la clase, el dialogo entre todos los compañeros fue muy fructífero, ya que me llevó a tomar la decisión de trabajar en un ENTORNO de un centro comercial, incidiendo en un ámbito tanto de las tiendas, como en el complejo en general construido o constituido a base de estos módulos prefabricados, dando la oportunidad de ampliación. La VOZ PROPIA del proyecto reside precisamente en estos espacios modulables conforme a la necesidad de cada uno de ellos según la demanda que pida.

La clase, tanto por la mañana como por la tarde, ha tenido un dinamismo especialmente cinético, que animaba y llamaba a participar a los que nos encontrábamos en la clase, con un ambiente sano de competitividad y compañerismo.

En la clase de urbanismo, durante los días 18 y 19_10_2017 fue realizado un “Workshop” titulado “Ciudad Dinámica: alineaciones eventuales con la morfología Urbana”, coordinado por Iñigo Lorente Riverola, un investigador sobre el campo de la cartografiado por medio de las herramientas GIS.

En la primera parte del día 18, hemos procedido a analizar todo lo que tiene que ver con el análisis de los datos y segmentación geográfica, desde un punto de vista urbanística.

Y empezando así; la ciudad en su plataforma o sistema complejo que permite ver la interacción entre las personas; un lugar, en el que estamos compartiendo con los demás un espacio y un interés por la zona.

La ciudad, en su planificación urbana es una estructura desorganizada en la que se organizan un conjunto de espacio organizados para un uso o innovación urbana determinados. En el análisis de Iñigo se puede destacar la descripción de la ciudad como un ecosistema en el cual dialogan entre sí la evolución por una parte y por la otra la sociedad, lo cual provoca una segmentación espacial notable. Tal y como se puede observar, hoy en día, se está produciendo una evolución de carácter tecnológico; éste nos proporciona un análisis de relación entre las comunicaciones y la forma urbana. La relación anteriormente mencionada, nos proporciona una imagen e identidad de la ciudad totalmente diferente a los trazados urbanos propuestos y ejecutados.

La imagen de la ciudad bajo la relación entre la comunicación de las nuevas tecnologías nos dota de una cantidad de datos totalmente sorprendente, en cuanto a la información que nos da del uso de esa ciudad. El ejemplo en el que se ha basado la base del workshop es la geolocalización de los teléfonos móviles que, en el caso de Android, todos ellos ofrecían la posibilidad de ver los recorridos que hemos realizado a lo largo de años (en mi caso). Esta información sobre los movimientos de una persona nos indica la importancia y el uso que se le da al trazado urbano por cada una de las personas que ceden los datos.

Cuando se genera un archivo combinado de los datos, se denota de forma muy evidente los espacios que se utilizan para caminar, otros que se usan para coger el coche, arterias de acceso a la ciudad y demás elementos imprescindibles a la hora de analizar el funcionamiento ecosistémico de un sistema vivo, tal y como lo es una ciudad. Se evidencian las zonas con mayor popularidad y otras que no son tan valoradas como las anteriores.

Se pueden obtener datos de libre acceso (open data) de las administraciones públicas y demás instituciones de carácter público; las cuales por contrario de lo que pensaba, no se lucran de ello, sino que además les cuesta dinero en generar toda esa información; pero, por otro lado, si las ciudades tienen buenas reseñas, consiguen esos ingresos por otras partes, por medio de la economía.

A base de la introducción anterior que se ha hecho de la importancia de las nuevas tecnologías, se puede denotar de la forma en la que el urbanismo se ha centrado en asignar a un lugar un servicio de uso predominante de la misma manera que ocurre con las apps móviles y demás servicios conectados por GPS, permite conquistar el espacio.

Con el fin de encontrar el origen de la necesidad de mapear todo lo que sucede, nos centramos en el proyecto utópico “NEW BABYLON” de Constant, H. que constituye una red no jerárquica que se apoderaría del mundo, color rojo que tiene una jerarquía inexistente. Las redes electrónicas recuerdan este plan en el que no hay ningún tipo de jerarquía. El aumento de precio de pisos en el centro urbano debido al turismo y demás, y es debido a las nuevas redes sociales, según las zonas más requeridas por los habitantes es debido a que son áreas en las que suelen concurrir mucho.

Para aproximarnos al problema, vemos el mapa “deaths caused by colera disease in London” de Snow, J. – mapea acontecimientos que aparecen en el centro urbano, y se ven las muertes, señalizadas con cruces, donde se condensan; dando una componente geográfica, se puede conocer el origen de las causas.

En cuanto a la práctica, se ha comenzado explicando los tipos de datos que se podían encontrar y el tipo de que son:

• Open data: es la información que posee el gobierno o administraciones públicas. Sin restricciones de acceso o copyright. Esta información genera un valor añadido a los que la requieren y de esa forma genera beneficio. Abrir los datos genera dinero, no solo cuesta dinero. [datos.madrid.es]. información publicada por alguien es accesible por quien pueda o tenga acceso a esa información.
• Closed data: solo puede acceder el usuario.
• Shared data: no pueden tener tanto detalle como para acceder a la identidad de los propietarios. [Google Maps – porque los datos pertenecen a google, y estos no nos van a permitr que lo veamos]

El ejercicio consistía en compartir y generar un mapa de recorridos que hace cada uno de clase. La clase se dividió en 4 grupos y teníamos que estudiar los diferentes fenómenos que cada uno de los grupos haya considerado.

Los grupos eran de 7 personas mas o menos y de allí se ha desarrollado el proceso de análisis e interpretación de la ciudad por medio del programa QGIS.

Los resultados a los que hemos llegado en el grupo del que formaba parte son los siguientes:

El análisis que hemos planteado consistía en insertar y combinar los movimientos de todos los componentes del workshop y escoger aquellos recorridos que se encontrasen en una proximidad relativamente cercana a cualquier establecimiento de restauración. Es decir, analizar:

• Por un lado, la densidad de restauración (bares, restaurantes, pizzerías, y demás establecimientos en los que se puede adquirir comida), localizada en la ciudad de Alicante; generar un mapa de densidad en el que se reparten todos estos establecimientos. Este es el resultado:

• El siguiente objetivo era establecer los recorridos con mayor uso por los estudiantes del curso, por la ciudad de alicante, por lo que cada uno de ellos ha preseleccionado y descargado 10 días de la cronología de google, que posteriormente se ha tratado en el programa, obteniendo de esa forma una amalgama de información. Con la información recopilada, hemos preseleccionado los recorridos que interconectan puntos de restauración mencionados en el punto anterior. Con estos puntos de restauración hemos obtenido un trazado gastronómico de la ciudad, el cual podemos observar en la siguiente imagen que muestra una nube de densidad de los recorridos, pudiendo identificar de esa manera la zona más frecuentada:

• El siguiente análisis realizado fue el de averiguar qué zonas coiniden entre la densificación de los recorridos y la de restauración. Esto se consigue mediante la superposición entre las nubes de densidad e ambos y generando un recorte, en el cual aparecen solamente las zonas en las que hay coincidencia física entre ambas nubes. El resultado como se puede observar en la imagen inferior, la zona que coincide con ambos, tanto los recorridos como las densificaciones de restauración, se localiza sobre todo en el centro de Alicante.

• Por último, podemos observar en la última imagen en la que destacamos los lugares más importantes en Alicante en los que la repetición de los recorridos entorno a los lugares de restauración. El grafismo nos traduce los círculos como focos de zonas de restauración, los cuales aumentan de tamaño conforme mayor número de recorridos hayan confluido en un radio de 15 metros.

Para finalizar, como conclusión, quisiera dar las gracias a Iñigo Lorent por la eterna paciencia a la hora de pelear con el programa y la espectacular clase impartida por su parte. Por otro lado, mi forma de funcionar ha cambiado al conocer este tipo de datos abiertos y el uso y adaptación de estos datos, para generar información de orden urbanístico en cuanto a la información recopilada de forma informática por los propios usuarios de la ciudad. Ahora es cuando el urbanismo realmente va a cambiar la forma de proyectar, pensando de forma más concienciada en las personas y su bienestar, de la misma forma como hizo Snow, J con el proyecto de London y el mapa de “deaths caused by colera disease in London”, localizando la causa para solucionar el problema.

MAY THE WOOD BE WITH YOU

MASSCHELEIN, J. & SIMONS, M. (2014). DEFENSA DE LA ESCUELA. UNA CUESTIÓN PÚBLICA. Buenos Aires: Miño y Dávila.

La escuela está bajo sospecha. Durante siglos se ha ido modificando por los distintos contextos en aras de la mejora y adaptación. Ha sido en actualidad cuando esta duda está llegando a su máximo esplendor. El texto propone una reinvención de esta invención histórica.

La pregunta planteada es qué es lo escolar, es decir, qué es lo que hace que una escuela lo sea en sí misma. Se entiende la escuela histórica como la creación de un “tiempo libre” permitido por la sociedad para todos. Asociaba entonces los valores de lo escolar hacia una extensión de la familia o a una creación social. La desescolarización es la recuperación de lo entendido como tiempo libre y no como creación.

La proposición del tiempo libre  lleva  a entender los profesores como trabajadores que no crean nada productivo. Se suspende del sistema productivo y esa suspensión crea la desigualdad. Lo escolar se convierte en un medio no abierto y fijado donde se lleva a los jóvenes al presente.

La profanación como término nos da la escuela como algo público. Por el amor al conocimiento mismo. El trabajo no es real.

Sacralidad de lo público como partida base y seguridad de estar en lo seguro. Mamá estado no nos da el espacio para desarrolarnos.

Lo lúdico. El “trabajo no es real” como nos propone pues hemos llegado al “patio de recreo”.

MANNING, E. (2016). THE MINOR GESTURE. DUKE UNIVERSITY PRESS.

El undercommon es un término creado para. Los minor gestures con la propia vivencia personal es lo que genera una ecología política. Algo que ya entiendo como método. Se plantea un método que no busca un método concreto cuando en realidad sí que lo es. Sin un fin concreto abierto a las oportunidades intentando generar un procesos lo más intuitivo posible.

Creo que acierta en cuanto a las limitaciones primeras: Se corre el riesgo de crear problemas falsos. Pues no hay un objeto de estudio, no debe haberlo. La colectividad encuentra esos problemas abiertos que se resuelven activamente. Por lo tanto, se diluye la diferencia entre el hacer y el pensar.

La intuición y el diálogo que generan nunca serán las respuestas. Pero es necesario y más en los procesos creativos no buscar sólo respuestas. Algo que abre un problema que lo extrae y va parte por parte de cada pensamiento.

En contra del método. La actualidad nos permite generar el conocimiento y la creación al mismo tiempo. Pensar en lo académico, es decir generar y pensar al mismo tiempo. Lo importante no es la manera de acerlo sino la trayectoria que se genera.

En cuanto a las cuatro proposiciones:

1. El arte entendido como camino y no hacia el objeto, forma o contenido.
2. Crear+pensar
3. No se trata del objeto sino del modo en que se a llevado la actividad para llegar al objeto
4. Los nuevos procesos crearan nuevas formas de conocimiento que no se pueden evaluar con los sistemas disciplinarios actuales.